트리플 구름

일층 이층 삼층 Tre Piani

구름2da — Mon, 25 Jul 2022 01:49:43 +0900

난니 모레티는 이탈리아의 대표적 명감독이다. 잘생긴 외모와 연기력으로 자신의 영화에서 감독뿐만 아니라 연기도 한다. <일층 이층 삼층>은 2021년 제74회 칸영화제 경쟁부문 진출작이다. 그는 이미 2001년 제54회 칸 영화제에서 <아들의 방>으로 황금종려상을 수상한 경력이 있는 유럽영화계의 거장이다.

모니카가 출산을 위해 병원으로 가는 날 밤. 음주운전을 하던 안드레아가 여자를 치고 1층 루치오의 서재로 돌진한다. 여자는 죽고 안드레아는 감옥에 갈 위기에 처한다. 법조인으로 일하는 비토리오와 도라는 아들의 형량을 낮춰 보려고 애쓴다. 하지만 안드레아는 아버지 비토리오를 증오하며 폭행을 하게 되고, 비토리오는 아들을 포기하겠다고 선언한다. 안드레아는 감옥으로 간다.

루치오와 사라는 어린 딸 프란체스카를 키우고 있다. 바쁜 일정으로 종종 윗층의 레나토와 지오반나 부부에게 딸을 맡긴다. 하지만 레나토가 치매증상이 있어 그들은 더 이상 맡기지 않기로 결심한다. 하지만 사라가 야근을 하는 날. 루치오는 헬스클럽에 가기위해 어쩔 수 없이 프란체스카를 레나토에게 맡긴다. 그날따라 지오반나는 외출중이다. 결국 사고가 터지는데, 레나토와 프란체스카가 실종된 것이다. 경찰과 루치오는 공원에서 레나토와 프란체스카를 찾아낸다. 하지만 루치오는 레나토가 프란체스카에게 어떤 성적인 행위를 했을 거라고 믿기 시작한다. 경찰도 아무 일 없었다고 사건을 종결하자, 혼자 사건을 파헤치기로 결심한다.. 그의 생각은 집착으로 변한다. 그 와중에 루치오를 짝사랑하는 레나토의 손녀 샤를로뜨가 사건의 진실이 담긴 할머니의 이메일을 보여주겠다며 유혹하고 관계를 맺는다. 루치오는 강간 혐의로 고소당한다.

아이를 무사히 출산한 모니카는 남편 조르지오가 장기 출장이 잦아 혼자 있는 시간이 많다. 형 로베르토가 준 선물을 완강히 거부하는 조르지오. 그와 로베르토는 의절한 상태인데, 이유는 로베트로가 지독한 사기꾼이기 때문이다. 모니카는 어머니의 정신병력이 유전되었을 거라는 두려움을 애써 참는다. 하지만 부재한 남편으로 인해 외로움을 느낀다.

5년의 시간이 지난다. 출소한 안드레아는 새 출발 하겠다며 부모인 도라와 비토리오를 모두 거부하고 떠나버린다. 루치오는 샤를로뜨 강간혐의에서 무죄로 벗어난다. 프란체스카와 모니카의 딸도 많이 자랐다. 루치오는 여전히 레나토와 프란체스카 사이에서 있었던 그날 밤의 진실을 알고 싶어 한다..

칸 영화제 레드카펫. 난니 모레티 감독과 출연진들

다시 5년이 더 흐른다. 안드레아의 소식은 완전히 끊어졌고, 비토리오는 죽었다. 남편을 잃은 도라는 아들이 너무 그립다. 모니카는 둘째를 낳는다. 알 수 없는 불안감에 지쳐가던 그녀는 갓 태어난 아이를 두고 가출한다. 도라는 난민센터에서 루이지를 만나는데, 알고 보니 그는 안드레아의 아내의 아버지였다. 안드레아는 도라에게 자신의 삶의 모든 것을 엄마 아빠가 결정하면서 인생을 망쳤다고 말한다. 다시 보지 않는 게 최선이라며 외면하자 도라는 힘이 빠진다. 이제 성인이 된 프란체스카는 레나토와 그날 밤 아무 일 없었다고 이야기한다. 진실을 받아들인 루치오는 울며 딸에게 사과한다. 도라는 자신의 삶을 찾기로 한다. 어긋난 아들과의 관계를 회복하기 위해 다시 한번 안드레아를 찾아간다. 안드레아가 미소를 지어준다.

<일층 이층 삼층>은 한 아파트에 살고 있는 이웃들의 다양한 사건들을 마치 단편영화를 모아놓은 것처럼 독립적으로 혹은 느슨하게 연결해가며 이야기를 만든다. 많은 등장인물들을 중심으로 다양한 사건이 등장하지만 어디 하나 겉도는 인물이 없을 정도로 촘촘한 이야기가 좋다. 잔잔한 이야기 이면에 삶의 다양한 모습과 아이러니가 감동을 만든다.

나는 다른 언어로 꿈을 꾼다 Sueno en otro idioma

구름2da — Fri, 19 Feb 2021 02:27:39 +0900

영화의 시작을 알리는 중요한 소재였던. 시크릴어는 끝까지 완성되지 못한다. 이제 영영 사라질지도 모르는 죽은 언어가 된 셈이다. 대신 영화는 아무도 알지 못하는. 곧 사라질 운명의 시크릴어 속에 감춰진 비밀 하나를 드러내는 것에 더 관심을 가진다.

바로 에바리스토와 이사우로의 관계 혹은 그들의 사랑의 복원이다. 시크릴어가 시대의 조류가 바뀌면서 결국 사라져 가야한다면, 시대의 조류가 바뀌면서 에바리스토와 이사우로의 사랑은 손녀 세대에서 오히려 이해 받는다. 어쨌거나 이사우로는 시대를 거부한 인물이고, 에바리스토는 시대에 굴복했던 셈.

영화 자체는 그렇게 강렬한 느낌을 관객에게 전달하지는 못하는 것 같다. 흥미로운 소재임에는 분명한데 클라이막스가 부족한 느낌. 영화를 종결짓는 장면인 에바리스토가 시크릴족의 동굴에서 이사우로에게 진심을 드러낸다는 설정은 신선한 결말이라고 하기엔 좀 애매해 보이기도.

동반자살 일본의 여름 無理心中日本の夏

구름2da — Thu, 18 Feb 2021 02:37:20 +0900

영화의 초반부. 주인공 네지코와 오토코의 등장. 인물과 배경이 만들어내는 스타일리쉬하고 감각적이며 표현주의적인 미장센은 꽤 매력적인 영상미를 만들며 눈에 들어온다.

하지만 내용전개의 아쉬움. 초반의 영상미를 이어가지 못하는 연극적으로 느껴지는 구성의 단조로움. 다양한 인물들이 등장하지만 관계들이 시너지를 만들어내지 못하면서 단조로움을 배가시키는 듯.

아무것도 할 수 없고 스스로 죽지도 못하는 남자의 이야기. 나약함이 곳곳에서 배어나오는데 오시마 감독이 당시의 일본을 이토록 무력하게 바라보았나 보다. 아무것도 할 수 없는 인물들이, 아무것도 하지 않으려는 무력함은 변혁 대신 제도에 순응하는 일본인을 보여주는 듯하고, 치기어린 17살은 사고 없이 폭주하기만 하는 당시의 청소년 세대를 통해 일본의 미래를 비관하는 듯하다. 더불어 외국인 연쇄살인마라는 설정에서 ‘꼭 백인임을 강조’하는 건 일본인들 특유의 백인 컴플렉스를 보여주는 것 같고.

뭔가 많은 것을 보여주려는 것 같은데 남자들의 무기력이 계속 전시되고, 유일한 여성인물 네지코가 그들을 알게 모르게 경멸한다. 오시마 나기사라는 이름값에 어울리지 않는 지루함과 실망감이 미처 뿜어내지지 못한채로 내부에서 곪고 있는 것 같은 에너지와 묘하게 섞여있는 느낌인데, 사실 영화 자체도 갈 길을 잃어버린채 정리되지 못하고 갈팡질팡 하는 모양새, 어쨌거나 묘하긴 하다.

폭풍의 언덕 Wuthering Heights

구름2da — Wed, 17 Feb 2021 01:29:55 +0900

안드레아 아놀드 감독의 2011년 작품 <폭풍의 언덕>. 히스클리프를 흑인으로 설정하는 새로운 시도를 한다. 에밀리 브론테의 유명한 소설이라 내용은 익히 잘 알려져 있지만, 여류작가의 소설을 여성감독이 연출하면서 좀 더 색다른 시각으로 접근하게 해주는 면이 있다.

히스클리프나 캐시 같은 <폭풍의 언덕>에 나오는 인물들이 모두 비극으로 치달을 수밖에 없는 이유는 히스클리프의 욕망이전에 캐시의 아버지에게 일차적 원인이 있다고 볼 수 있다. 만약 그가 좀 더 친아들인 힌들리에게 사랑과 관심을 주었다면 힌들리와 히스클리프의 관계가 그렇게 나빠지지 않았을 수도. 그랬다면 히스클리프와 캐시의 사랑도 이루어질 가능성도 있었을 테다. 물론 안드레아 아놀드 감독은 히스클리프를 원작과는 다르게 흑인으로 설정하면서 인종차별이라는 두 가지 구속을 설정해 갈등을 좀 더 강하게 표현하고 있긴 하지만 말이다. 즉, 히스클리프는 두 개의 장애물을 넘어야만 캐시와의 사랑을 이룰 수 있는 셈이다. 이는 19세기적 감성에 21세기적 감성을 덧입힌 것처럼 보이기도 한다.

그러나 이 모든 난관을 가뿐하게 뛰어넘는 원인이 있는데 그것은 바로 어쭙잖은 기독교적 휴머니즘이다. 캐시의 아버지는 크리스천이라서 히스클리프를 데려왔다고 말한다. 성경의 네 이웃을 사랑하는 말의 실천처럼 보이지만, 실은 겉으로 타인을 사랑하는 모습을 보이고 싶은 욕심이 앞선 것처럼 느껴진다. 그러니까 크리스천이라는 허울이 모든 인물을 비극의 나락으로 밀어 넣은 셈이다. 결국에는 이 인물들의 비극에 가부장이 있는 듯 보이지만, 더 넓게는 서구 문명의 토대를 만든 크리스트교가 있는 셈이다.

안드레아 아놀드 감독이 여성이어서 그런가 남성 캐릭터를 좀 더 냉정하게 표현하고 있는것처럼 보이기도 하는데, 힌들리의 아들 역시 힌들리와 히스클리프처럼 살게 될 것이라는 걸 보여주기도 하는데. 크리스트교에서 시작된 가부장 사회의 비극을 끊어내지 못하면 되풀이된다는 걸까? 그게 21세기적 이데올로기인지도. 지독한 러브스토리 속에 그런 게 들어가 있다.

안드레아 아놀드 감독의 <피쉬 탱크> 리뷰 보러가기

라 푸앵트 쿠르트로의 여행 La Pointe Courte

구름2da — Tue, 16 Feb 2021 01:16:29 +0900

프랑스의 여류 감독 아녜스 바르다의 1955년 작품. 고다르의 <네 멋대로 해라>가 나오기 전 최초의 누벨바그의 시초가 된 영화라곤 말해지기도 하는데, 아직까지는 네오리얼리즘의 영향이 짙게 보인다.

푸앵트 쿠르트라는 어촌에서 일어나는 이야기. 먼저 어촌 사람들의 모습을 다큐멘터리처럼 보이도록 찍어놓았는데, 이는 분명 네오리얼리즘의 영향 아래에서 촬영되었다고 보인다. 아녜스 바르다가 다큐로 경력을 시작했다는 것도 이러한 촬영에 힘을 실었을 듯. 그 순박한 어부들의 삶 안으로 어울리지 않는 듯 스며드는 파리에서 돌아온 부부가 있다. 그들은 사랑의 위기를 겪고 있는데, 어촌의 모습을 묘사하는 것과는 다르게 클로우즈업의 활용이 돋보이면서 인물의 대사에 다른 이미지들을 중첩하는 몽타주와 사운드의 활용이 두드러진다. 이런 미장센은 새로운 영상미를 고민했던 당시 젊은 프랑스 영화인들의 누벨바그적 이미지가 아니었을까 하고 생각해 본다.

가난한 어부들의 일상이 사실적으로 묘사되면서 당시 현대화되던 시기의 프랑스의 모습이라 할 조개의 세균 문제를 둘러싼 위생이라는 현대성의 충돌이 바다 건너로 보이는 공장의 모습과 겹치면서 전통에 속해 있던 어부들의 서서히 현대화에 적응해가는 모습을 보여준다. 반대로 사랑의 위기를 겪던 부부가 대화를 통해 처음 만났을 때의 불꽃같은 사랑이 아닌 자연스럽게 삶에 스며드는 성숙한 사랑을 인지하게 된다. 이혼을 요구하는 아내가 파리 출신이라는 점을 통해 도시화된 삶에서 여유를 가져보지 못했던 아내가 어촌의 느린 삶을 느끼고 느린 대화를 통해 사랑의 본질을 깨닫는 모습을 통해 아녜스 바르다 감독은 현대성과 전근대성의 장점의 공존을 꿈꾼 건 아니었는지...

<라 푸앵트 루르트로의 여행>은 돋보이는 촬영과 클로우즈업 그리고 편집은 단연 눈에 들어왔다. 그러니 누벨바그의 초석은 깔았다고 해도 무방할 듯.

우정 - 테스형 나훈아의 풋풋한 20대 시절

구름2da — Thu, 3 Dec 2020 00:52:49 +0900

테스형으로 화제를 모은 영원한 슈퍼스타 나훈아가 1972년에 출연한 영화다. <팔도사나이>시리즈의 김효천 감독의 작품인데, 사실 감독의 이름값만 보면 그다지 기대 되는 영화는 아니다. 오히려 이 영화에서 두드러지는 것은 영화 내용보다는 나훈아의 얼굴이다. 왜냐하면 그의 뺨에 깊게 베인 상처가 보였기 때문이다. 당시 남진과 세기의 라이벌로 스포트라이트를 양분하고 있던 도중 있었다는 불미스런 사건이 언뜻 떠올랐고, 그 여파로 얼굴이 저런가 싶어서 말이다.

영화적으로 보자면 별로 할 말이 없는 영화다. 단순한 스토리 라인. 나훈아의 스타성 하나로 밀고 나가는 영화이다 보니 얄팍한 갈등과 우연한 해결이 영화적 재미를 만들지는 못한다. 박훈과 석불은 둘도 없는 고향친구다. 가수가 되려는 박훈을 위해 뒤에서 수많은 고생을 하는 석불. 결국 타고난 재능으로 인기가수가 된 박훈은 석불을 멀리하게 된다. 이후 석불은 권투선수로 동양챔피언이 되지만, 박훈은 나락으로 추락한다. 하지만 석불의 우정은 박훈을 다시 한번 무대에 세운다. 그들은 우정의 노래를 부른다. 황당한 건 영화의 맥락에 맞지 않게 박훈과 석불이 우정의 맹세를 하며 눈물로 부르는 노래가 <우리의 소원은 통일>이라니. 길지도 않은 영화 러닝타임을 견디고 있었는데, 느닷없이 흘러 나오는 우리 소원은 통일을 비장하게 부르는 나훈아와 김희라를 보고 있자니, 헛헛한 웃음 한번 웃어볼 기회도 주네 그랬다.

나훈아의 라이벌이었던 남진은 60년대부터 영화를 찍고 있었고, <벽속의 여자>같은 좋은 작품도 남긴 경우다. 나훈아는 71년에 영화를 시작한다. 노래는 둘이 불꽃 튀는 대결을 벌이고 나훈아가 좀 더 앞서간 것 같지만, 영화에서만큼은 남진이 더 앞서갔다고 봐도 무방할 듯. <우정>을 보고 있으면, 영화를 선택하는 안목은 남진이 좀 더 낫지 않나 싶고.

개봉 : 1973년 1월 1일 아세아 극장

감독 : 김효천

출연 : 나훈아, 김희라, 박노식, 안인숙

구름의 노래 20201128

구름2da — Wed, 2 Dec 2020 02:58:04 +0900

지난주에 열심히 들었던 노래들.

역시나 제목을 클릭하면 youtube에서 들을 수 있다.

10초씩 들을 수 있는 클립모음도 올린다.

나와 노래 듣는 취향이 비슷한 분들이 있으면 즐겁게 들을지도~~

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구름의 노래 20201128 탑10

1	Life Goes On 방탄소년단
2	Go Crazy Chris Brown ft. Young Thug
3	So Bad 스테이시
4	Crazy Bazzi
5	Dolce Vita Ryan Paris
6	I Can't Stop Me 트와이스
7	Golden Harry Styles
8	끌림 바니와 오빠들X 에릭남 & 이다은
9	Is It True Tame Impala
10	VVS 미란이 & 먼치맨 & 쿤디 판다 & 머쉬베놈

방탄소년단의 <라이프 고우즈 온>은 처음 들었을 땐 그들의 다른 노래들 보다

임팩트가 약하다 생각. 그러나 반복해 들으며 익숙해지니 괜찮구나 하고 있음

크리스 브라운이나 영 떵이나 이름은 알아도 노래는 처음 들었는데,

사이사이의 리듬이 귀에 쏙쏙 들어오는 부분이 있네.

우후죽순 걸그룹중에서 최근에 데뷔했는데, 귀에 콕 박히는 리듬과 멜로디에

어이쿠 괜찮구나 했다.

끌림은 에릭남 때문에 듣게됨.

tame impala의 노래는 전주 부분의 펑키함이 마음에 들고.

방탄을 밀어내고 멜론에서 늘 1위이기에 호기심에 들어봤다.

듣자마자 귀에 와 박히는 사운드. 하지만 가요는 가사를 바로 알아듣게되지 않나.

이런 직선적인 힙합의 가사엔 아직도 적응이 안되는 중, 차라리 못알아듣는

외국어였으면 더 즐길 수 있었을 것 같은 노래.

대지옥 - 허장강의 연기가 돋보이는 한국 판타지 영화

구름2da — Tue, 1 Dec 2020 02:25:13 +0900

대지옥

권영순 감독의 <대지옥>은 1973년 1월 1일 신정프로도 개봉된 영화다. 당시 한국영화로는 드물게 특수효과에 상당한 공을 들이고 있고, 스케일도 큰 대작이다. 많은 제작비가 투여되지 않았을까 싶은데, 당시 불황에 접어들던 한국영화계의 사정을 헤아려 보면 꽤 야심찬 도전이 아니었을까 싶다. 70년대 들어 시작된 한국영화의 불황을 대작으로 극복하기 위한 시도가 아니었을까 싶은데, 요즘의 말로 치면 블록버스터라 할 수도 있을 것 같다. 그 시절 메이저 영화사였던 합동영화사의 곽정환 제작자가 꽤 야심찬 도전을 한 셈이다. 그래서인지 천국과 지옥의 세트디자인이나, 분장, 의상 등 소소한 부분까지 꽤 신경을 쓴 점은 돋보인다.

장주 임원빈은 둘도 없는 악당으로 나쁜 짓이란 나쁜 짓은 모두 하는 인물이다. 그런 남편을 위해 아내는 부처님께 용서를 구한다, 딸 연아 역시 둘도 없는 효녀다. 하지만 집사의 계략으로 아내는 자결을 하게 된다. 이에 원빈의 죄는 하늘에 미쳐 목숨이 위태로운데, 딸 연아가 지극정성으로 부처님께 빌어 지옥의 사자를 몰아내지만 대신 연아가 죽고 만다. 원빈 역시 집사와 첩에 의해 독을 먹고 죽어 지옥에 가게 된다. 딸 연화는 목련존자에게 애원하여 지옥을 샅샅이 뒤져 아버지를 찾아내고, 임원빈은 딸의 효성에 감복하여 개과천선하게 된다.

스토리는 너무 직선적이고 단조로운 편이다. 모양새는 대작이나 내용은 대작의 품격을 갖추진 못한 건 아쉬움이다. 가장 아쉬운 건 이 영화에서 다양한 인물이 등장하지만, 갈등이라고 할 만한 부분이 없다는 것이다. 특히 공동 주연이라 할 딸 연아가 아버지에 대한 그 어떤 회의나 갈등도 없이 무조건적으로 부모이기에 섬긴다는 효의 표현은 내용의 깊이를 끌어내지 못한다. 따라서 부처도 감복하게 만든 지극한 효성이 주제로 전달되기 보다는 강요처럼 느껴지는 약점이 되고 만 것은 아닌가 싶다. 결국 권영순 감독이 연출에 꽤나 공을 들이고 있긴 하지만 좀 역부족은 아니었나 싶은 것이다.

반면 임원빈을 연기한 허장강의 연기가 훌륭했다. 그의 연기는 프로덕션 디자인과 함께 영화 <대지옥>에서 가장 볼 만한 부분이다. 이미 노련한 경력의 배우이긴 하지만, 특히 이 영화에서 악인 임원빈의 내면과 외면을 다양한 얼굴표정과 제스처를 통해 전달하는데, 그의 연기내공이 잘 드러난 것 같다.

개봉 : 1973년 1월 1일 국도극장

감독 : 권영순

출연 : 허장강, 박지영, 사미자, 최성호, 신영일

구름의 노래 20201121

구름2da — Thu, 26 Nov 2020 00:46:00 +0900

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가요와 팝 등 노래 듣는 걸 무척 좋아한다.

주로 출퇴근 시간을 이용해 듣는다.

유튜브 시대에 듣고 싶어도 들을 수 없는 노래는 없다.

마음만 먹으면 전 세계의 노래를 들을 수도 있다.

그래서 예전엔 여러 가지 사정으로 기회가 없어

듣지 못했던 노래를 새로 듣기도 하고.

어린 시절 좋아했던 노래도 다시 들을 수 있어 좋다.

나이가 든 요즘은 그렇게 듣는 노래가 참 위로가 된다.

이제 일주일에 한 번씩 옛날 가요톱10처럼 내 블로그에

기록해 두기로 한다.

혹시 내 블로그에서 방문하신 분들이 들어보고 싶다

할 수도 있어 15초씩 끊어 편집했다.

아무 장식이 없으니 갑자기 시작하고 갑자기 끝난다.

15초짜리 클립을 들은 후 전곡을 듣고 싶을 수도 있을 것

같기에 노래 제목을 클릭하면 유튜브로 연결된다.

구름의 노래 20201121 순위 (제목 클릭 youtube로)

1	crazy	bazzi
2	golden	harry styles
3	dolce vita	ryan paris
4	(I just) died in your arms	cutting crew
5	it runs through me	tom misch
6	no more bolero	gerard joling
7	teardrops	bring me the horizon
8	each time you break my heart	nick kamen
9	I can't stop me	트와이스
10	echoes	roosevelt

뜸부기 새벽에 날다 - 원미경의 리즈시절의 연기, 소설가 김성종 원작 영화화

구름2da — Sat, 12 Sep 2020 19:16:44 +0900

뜸부기 새벽에 날다

김수형 감독의 <뜸부기 새벽에 날다>는 추리작가 김성종의 소설 <어느 창녀의 죽음>을 영화화했다. 원작 소설이 있는 영화라서 그런지 몰라도 기존의 김수형 감독의 다른 작품에 비해 스토리와 플롯도 좋았다. 어느날 아침 기차역에서 자살한 창녀의 죽음의 원인을 찾아가는 작품이지만 추리나 서스펜스보다는 드라마에 좀 더 기대는 모양새다.

영화의 주인공인 최형사 역시 피난길에 여동생과 헤어진 경험이 있고 지금도 찾고 있는 중이다. 그는 죽은 창녀가 자신의 여동생일지도 모른다고 생각하고 사건에 접근한다. 사건을 파헤치면 파헤칠수록 죽은 창녀의 비극이 가슴을 후벼판다. 결국 그녀는 헤어진 오빠가 손님으로 찾아와 밤새 오빠가 살아온 이야기를 들은 후 자살한 것으로 밝혀진다.

한국의 비극이라 할 6.25전쟁의 피난길에 헤어진 남매의 비극이라는 배경을 중심으로 이산가족의 문제를 건드리고 있는 이 영화는 1983년 KBS방송국에서 시작된 이산가족찾기의 열풍을 보며 기획되지 않았을까? 당시 한국영화에 비해서 이야기의 흐름도 좋고 마지막 장면에서 오형사가 “우리 모두의 누이이자 우리 모두가 죽게 만들었다”고 말하는 부분에서는 어떤 사회적인 담론을 형성하고 싶었던 감독의 욕심도 읽혀진다. 하지만 연출적으로는 크게 임팩트있는 부분이 없어 아쉽다. 그래서 더욱 원작소설의 도움을 많이 받고 있다는 느낌을 든다.

영화를 재미있게 보긴 했지만 마지막 시퀀스쯤에서 창녀 춘희를 연기한 원미경이 너무 쉽게 창녀촌을 빠져 나와 기차역으로 온다던가? 밤거리를 헤매는 장면은 설득력이 좀 떨어진다. 이미 이전 장면들에서 이중 삼중의 감시때문에 미처 골목길도 빠져 나가지 못하는 다른 창녀들의 모습을 봤기 때문에 더욱 오류처럼 느껴지더라는. 게다가 시대 배경을 고려하지 않은 의상과 분장 등 디테일한 면도 아쉽다. 김수형 감독이 조금만 더 촘촘하게 연출했다면 이 영화는 더 괜찮은 영화가 될 수 있었을 것 같은데 아쉽다.

개봉 : 1984년 9월 8일 푸른극장

감독 : 김수형

출연 : 원미경, 최윤석, 김추련

파비안느에 관한 진실 - 여배우라는 이름, 엄마라는 이름의 사랑과 전쟁

구름2da — Wed, 19 Aug 2020 00:55:54 +0900

파비안느에 관한 진실 La verite / The Truth

고레에다 히로카즈 감독의 <파비안느에 관한 진실>에서의 사건은 엄마 파비안느(까트린느 드느브)와 딸 뤼미르(줄리엣 비노쉬)간의 수면 밑에서 고요하게 지속되고 있는 평생의 걸친 갈등이다. 그 갈등을 표면화 시켜 보여주는 것이 파비안느와 뤼미르가 늘 말하고 있는 사라의 죽음이다.

파비안느는 어린 딸 뤼미르의 관심을 몽땅 가져가버린 사라가 미웠던 거고. 복수하듯 사라의 역할을 빼앗아 자신이 연기해버린다. 결국 그 사건은 사라의 죽음으로 연결되었던 것. 어린 딸 뤼미르는 스타로서의 캐리어에 집중하는 엄마로부터 모성을 느낄 수가 없어 친절한 사라에게 집중했던 것이었고. 파비안느의 모성의 여부와 뤼미르가 가지고 있는 트라우마는 어린 시절 자신의 연극에 엄마인 파비안느가 왔느냐 오지 않았느냐의 진실여부로 좁혀져 간다. 사실 파비안느는 딸 뤼미르의 연극에 모두 참석해서 관람을 했다는 것이 밝혀진다. 그게 진실이다.

파비안느가 늘 말하듯 진실은 재미없기 때문에 픽션이 필요하다는 것인데. 늘 화려한 분장으로 자신의 진짜 모습을 숨긴 채 대중 앞에 화려한 모습을 전시하는 배우이기도 했던 파비안느. 연기라는 가짜 인생을 숙명으로 여기며 살아왔기 때문인지 그녀의 내면에서 진실로 우러나왔던 모성을 드러내지 않고, 그 모성에 조차 드라마를 씌웠던 것일지도 모를 일이다.

그렇게 진짜 삶 조차 연기하듯 살아온 파비안느는 영화 속 영화이야기에서 자신을 떠난 엄마를 그리워하는 딸의 위치가 되면서 서서히 친딸 뤼미르의 감정을 이해하게 되는 것일지도. 그녀는 마지막 장면의 감정 표현을 프로 연기자로서 거짓 감정을 진짜처럼 흐트러짐 없이 연기해 낸다. 하지만 딸과 화해한 후 이런 감정은 처음 느꼈다며 재촬영을 해야겠다고 할 때, 이제는 같이 늙어가는 딸 뤼미르가 미소 짓는다. 그건 엄마의 본모습, 엄마를 있는 그대로 인정하는 것일테다. 사실 파비안느는 진실은 재미없다며 꾸미는데 익숙한 사람이다. 그 결과로서 그녀의 진실 여부와는 상관없이 딸과 매니저가 모두 떠나갔던 것. 파비안느가 화해는 재미없다며 툴툴거리는 것도, 결국 진실한 사과로 이루어진 화해가 딸 뤼미르와 매니저를 돌아오게 만든 걸 보면, 고레에다 히로카즈 감독은 연기라는 가상의 세계는 판타지로 놔두고, 현실에서는 진실이 앞선다는 것을 말하고 있는 것 같다.

파비안느가 어린 딸 뤼미르에게 너의 연극을 보러갔노라고, 열심히 잘 했다고 칭찬만 했더라면 사라도 죽지 않았을 것이며, 뤼미르의 상처도 크지 않았을 것이다. 어쩌면 스타로서 은막과 현실을 구분하지 않으려 했던 파비안느의 어리석음이 모든 사건의 원인인 셈이다. 하지만 고레에다 히로카즈 감독은 딸을 거짓의 세계를 창조하는 극본가로 설정하면서 엄마가 살고 있는 그 세계를 이해하게 만들기도 하고, 또한 극본가로서의 딸이 영화 대사처럼 진실을 말하게 하면서 ‘진실은 재미없다’는 여배우로서의 파비안느의 자존심도 살려주고, 진실 그 자체를 말하게 함으로써 엄마로서의 자존심도 살려주는 히로카즈식의 따뜻한 결말로 향한다. 중요한 것은 ‘파비안느는 자신다움을 잃지 않으면서도 모두를 설득’해 냈다는 것인데, 고레에다 히로카즈 답다는 생각이 든다.

<박원숙의 같이 삽시다>의 스타 혜은이가 출연했던 영화와 비하인드

구름2da — Mon, 17 Aug 2020 21:18:59 +0900

요즘 <박원숙의 같이 삽시다>에 출연하고 있는 박원숙, 혜은이, 김영란.

세 사람이 아침토크쇼에 출연해 이야기하던 중

영화 <아스팔트위의 여자>에 관한 에피소드가 재미있다.

<아스팔트위의 여자>는 문여송 감독, 김영란 주연의 영화로 1978년 개봉되어

흥행에서도 크게 성공했던 작품이다. 그런데 알고 보니 이 작품의 주연으로 처음엔

혜은이가 거론되었다는 걸 처음 알았다.

당시 제주도 출신의 인기절정의 가수였던 혜은이의 스타성을

같은 제주도 출신인 문여송 감독이 자신의 영화에 가져오고 싶었던 것 같다.

하지만 당시 혜은이의 노래를 작곡했던 작곡가 길옥윤이 반대해서

주제가를 부르는 선에서 마무리 되었던 모양.

덕분에 김영란은 1977년 <처녀의 성>에 이어 흥행 2연타를 날리며 스타배우로 성공적으로 안착할 수 있었다.

재미있는 건 결국 혜은이도 곧이어 영화에 데뷔했다는 것이다.

그 작품은 역시 문여송 감독의 <당신만을 사랑해>.

<아스팔트위의 여자>가 1978년 4월에, <당신만을 사랑해>가 1978년 8월에 개봉했던 걸

보면 문여송 감독은 결국 혜은이를 설득시켜 그토록 탐내던 그녀의 스타성을 영화로

가져오는 데 성공한 셈이다.

두 편의 영화는 공통점이 있는데, 바로 여주인공이 다 가수지망생이라는 것이다.

하지만 영화속에서 김영란은 정신병자가 되고 마는 불행을 겪는데 비해

혜은이는 가수로서 성공한다.

이미 가수로 성공한 혜은이에게 불행은 어울리지 않아 보이기도 하는데.

청순을 어필했던 이미지상으로도 성인용 영화였던 <아스팔트위의 여자>보다는

<당신만을 사랑해>가 더 어울리는 영화라 할 만하다.

이후 혜은이는 3편의 영화에서 주연으로 출연한다.

1978년 개봉작 <당신만을 사랑해>

출처 : Kmdb

혜은이의 데뷔작.

본인의 히트곡을 영화화한 작품으로 혜은이가 가수지망생으로 출연하여 성공하는 스토리.

1979년 개봉작 <제3한강교>

출처 : Kmdb

역시 본인의 히트곡을 영화한 작품이다.

이 영화의 실질적 주인공은 이계인과 원미경이라 할 수 있다.

혜은이는 그들의 생활력 강한 친구로 등장해 택시운전수가 된다.

1980년 개봉작 <멋대로 해라>

마지막 출연작은 <멋대로 해라>이다.

제3한강교를 감독했던 김정현 감독의 작품으로 의리상 출연하지 않았을까 싶기도.

이 영화에서 그녀의 전남편이었던 김동현과 공연하고 있다.

3편중 가장 흥행에 실패했다.

김영란의 <아스팔트위의 여자> 리뷰가 궁금하다면 읽어보기 클릭하세요

오케이 마담 엄정화 나이가 무색한 그녀의 화려한 변신의 역사

구름2da — Mon, 17 Aug 2020 09:03:50 +0900

나이는 숫자에 불과하다. 자신만의 캐릭터를 구축한 배우 엄정화

배우이자 가수로 독보적인 자신만의 캐릭터를 구축한 엄정화는

자신이 잘 할 수 있는 걸 정확하게 찾아내면서 정글 같은 연예계에서

살아남았고, 이제는 후배들의 존경을 받는 믿고 보는 배우와 가수가 되었는데요.

이번에 다시 새로운 연기에 도전했다고 합니다. 바로 액션인데요.

최근 몇 년 코미디장르에 집중해 왔던 그녀.

8월 12일 개봉한 <오케이 마담>에서는 코미디에 액션을 믹스한

코믹 액션을 선보입니다. 할리우드 액션 영화에서 많이 볼 수 있었던

신체, 특히 손을 활용해 여기 저기 놓여있는 도구를 사용하는 타키티키라는

무술이라고 합니다. 우리말로 ‘손에 잡히는 대로 던지고 본다’ 정도 될까요?

이렇듯 늘 새롭게 변신하며 관객들에게 새 모습을 보여주기 위해 노력하는

프로 연기자로서 자신에게 어울리는 배역을 잘 선택하는

엄정화의 변신을 최신작부터 시대를 거꾸로 내려가며 한번 알아볼까요.

마담은 홍콩에만 있는 게 아니죠. 한국에 나타난 마담.

<예스마담>은 많이 기억나시죠? 그럼 이 마담들은 어떠신가요?

<땡큐 마담> <폴리스 마담>. 네 이외에도 온갖 홍콩 출신 마담들이 출몰했던

시기가 있었습니다.

양자경, 나부락 혹은 호혜중, 이세봉(그녀들을 기억하신다면 연배가 꽤나~~)

이렇게 싸움 좀 하는 언니들의 끝자락에 바로 엄정화가 나타났습니다.

바로 한국에 나타난 <오케이 마담>입니다. 아마 이 영화가 성공한다면 엄정화는

자신의 필모그래피에 새로운 캐릭터를 하나 더 추가하는 셈이 되겠네요.

중견배우 엄정화의 출연작들

언젠가부터 엄정화는 코미디에 주력하는 모습을 보이지만

알고 보면 꽤나 다양한 장르의 영화에 출연하고 있기도 합니다.

최근 그녀의 성공작들인 <미쓰 와이프>, <댄싱퀸>같은 영화들이 기억에

많이 남아 있긴 하지만 <관능의 법칙>, <끝과 시작>, <몽타주>에서는

꽤나 진지한 캐릭터를 소화하고 연기도 훌륭합니다. 특히 2010년 작품인

<베스트셀러>에서는 미스터리 영화를 긴장감 있게 잘 끌고 가기도 했죠.

이 영화에서는 아직 스타가 되기 전의 조진웅이 아주 훌륭한 연기를

보여주기도 합니다.

엄정화는 레전드 가수

자신의 필모그래피에서 많은 히트곡을 만들어낸 가수는 흔하진 않습니다.

하지만 엄정화는 수많은 히트곡을 내며 가수로서도 정상에 올랐죠.

1993년의 신해철이 작곡한 데뷔곡 <눈동자>가 크게 히트한 후

<배반의 장미> <초대> <포이즌>등 히트곡이 줄줄이 사탕처럼 이어집니다.

노래 <눈동자>는 시인인 유하 감독의 영화 데뷔작 <바람부는 날이면 압구정동에 가야한다>에

삽입되어 있는데요. 영화가 성공하지 못했지만 삽입곡이었던 <눈동자>는 크게

히트하면서 엄정화를 스타로 밀어 올리는 발판을 마련합니다.

이후 그녀는 자신만의 독특한 퍼포먼스를 선보이며

명실상부한 한국가요계의 대표적인 여가수로 그 시절의 아이콘이 됩니다.

93년 데뷔시절 <눈동자>를 부르는 모습과 90년대 후반 전성기 시절

엄정화는 X세대

1993년 개봉한 <바람부는 날이면 압구정동에 가야 한다> 포스터와 영화 장면 스틸

1990년대 초반에 20대가 된 사람들을 X세대라고 불렀죠.

엄정화는 기존의 기성세대와 확실하게 선을 긋고 자신만의 개성을 강조했던

X세대의 대표 아이콘이 됩니다. 압구정동으로 상징되던 X세대의 소비패턴을 통해

시대를 풍자하고자 했던 유하 감독의 영화 <바람부는 날이면 압구정동에 가야 한다>가

그녀의 영화 데뷔작처럼 말해지곤 하지만 사실 그녀는 무명시절

김의석 감독의 신세대 영화 <결혼이야기>에 단역으로 잠깐 출연하며 데뷔합니다.

이후 한국영화의 히트메이커가 된 강우석 감독의 코미디 <마누라 죽이기>에서는

박중훈의 상대역으로 출연하며 배우로서도 승승장구하게 됩니다.

엄정화가 단역으로 데뷔한 <결혼이야기>의 한 장면. 본격적인 배우 선언 <마누라 죽이기>에서 조형기와 한장면

엄정화는 나이가 들어도 좋은 배우와 가수로 남을 것

모든 사람은 나이를 먹으며 늙어가고 여배우도 마찬가지죠.

<오케이 마담>을 보면 엄정화의 얼굴도 주름이 늘어가고 있다는 걸 알 수 있습니다.

하지만 그건 오랜 동안 배우로, 가수로 최선을 다해 살아온 세월의 훈장 같은 것이라고 생각합니다.

엄정화는 앞으로도 할머니 역을 하며 오랫동안 사랑을 받을 배우와 가수가 되길 바랍니다.

꼭지꼭지 - 70년대 아역스타 최유리의 여고시절

구름2da — Sun, 16 Aug 2020 19:36:18 +0900

꼭지꼭지

포스터출처 Kmdb

1981년 2월에 개봉한 이성민 감독의 <꼭지꼭지>는 1970년대 후반에서 1980년대로 넘어 오던 그 시절 여학생들에게 크게 인기를 끌었던 작가 이금림의 소설이 원작이다. 당시 최고의 아역스타였던 최유리가 자신의 나이에 맞게 18살 여고생 송꼭지를 연기하고 있는데 아마 소설 속 꼭지가 꼭 이런 모습이지 않았을까 싶을 정도로 깜찍하게 연기를 소화해 낸다. 꼭지의 남자친구인 고교 야구선수 양종하 선수는 가수 전영록이 연기하고 있는데, 당시 27살의 나이로 고등학생을 연기하기에는 좀 심하게 나이든 티가 난다. 아마 당시 라디오 프로에서 성우 송도영씨와 함께 꼭지꼭지의 에피소드를 방송했다고 하는데, 그 인연으로 출연을 한 모양.

상상력 풍부하고 꿈도 스토리로 엮어 야무지게 꾸는 명랑소녀 꼭지. 만년 과장 아빠, 생활력강한 가정주부 엄마. 야구선수가 되고 싶은 동생 노마와 알콩달콩 살고 있다. 친구 열매의 주선으로 모처럼 미팅이 잡혔던 휴일. 금붕어를 놓고 티격태격하던 남학생을 옛 선생님의 집에서 우연히 마주친다. 그의 이름은 고교 에이스 투수 양종하. 둘은 그렇게 공부에 방해받지 않는 선에서 이성친구가 되기로 한다.

영화 <꼭지꼭지>는 다양한 원작의 에피소드중에서 꼭지와 종하의 만남, 우정, 오해를 중심으로 아버지의 실직, 가족의 위기를 슬기롭게 극복하는 과정을 서브 스토리로 엮은 후 교통사고를 당한 종하의 재활을 돕는 꼭지의 의지로 마무리한다. 70년대 하이틴 영화의 끝자락에 위치한 <꼭지꼭지>는 원작의 인기에 비해 크게 성공하지는 못했지만, 꼭지로 등장한 최유리의 매력이 영화를 그나마 살려낸다.

개봉 : 1981년 2월 19일 국도극장

감독 : 이성민

출연 : 최유리, 전영록, 태현실, 박근형

다만 악에서 구하소서의 영화배우 황정민의 매력이 드러난 첫 작품은 무엇일까

구름2da — Sun, 16 Aug 2020 01:08:27 +0900

한국영화계에서 절대적 존재감을 드러내는 배우가 있다.

그냥 닥치고 믿고 보는 배우. 제대로 된 작품 해석으로 항상

뛰어난 연기를 온 몸으로 열연하는 배우는 누굴까?

명실상부한 첫 에이스라 할 송강호가 미스코리아의 진의 위치라면

그 뒤를 이을 선의 자리는 최근 흥행에서 주목받고 있는

<다만 악에서 구하소서>에서 열연한 황정민에게 기꺼이 줄 만하다.

1990년 임권택 감독의 <장군의 아들>에서 단역으로 데뷔한 그는

10여년의 무명생활을 이겨낸 후 처음으로 중요한 배역을 맡아

관객들에게 눈도장을 찍은 영화가 바로

임순례 감독의 <와이키키 브라더스>이다.

2001년 10월에 개봉된 이 영화에서 황정민은 와이키키 밴드의

드러머로 열연한다.

와이키키 브라더스의 빈티지 포스터와 스틸

삼류 나이트클럽을 전전하는 삼류 밴드 와이키키에서 드럼을 두드리는 강수가

바로 그가 맡은 배역이다. 우직하긴 하지만 고단한 일상을 술과 대마초와 노름에

의지하다 음악도 다 싫다며 밴드를 떠나는 강수를 30대 초반의 황정민은

순박하게 소화해 내며 그만의 독특한 개성을 관객의 뇌리에 각인시켰다.

이 영화이후 그의 영화인생은 그야말로 탄탄대로다.

송강호와 김혜수가 주연이었던 <YMCA 야구단>의조연을 거쳐

2002년 김인식 감독의 <로드무비>에서 당시 드물었던

동성애자 캐릭터 대식을 소화하며 주연급으로 성장한다.

그리고 이듬해인 2003년 임상수 감독의 <바람난 가족>의 주영작이라는

인물을 연기하며 그는 완전히 연기파 스타가 되고

지금까지 주연배우로서 좋은 작품을 많이 남기고 있다.

영화 와이키키 브라더스 황정민의 장면들

프랑스 영화학교 입시전쟁 Le concours

구름2da — Mon, 6 Jul 2020 08:02:19 +0900

프랑스 영화학교 입시전쟁

프랑스의 최고 영화학교라는 페미스의 입시 과정을 보는 게 참 흥미롭긴 하다. 저 많은 꿈과 열정은 규칙이라 말해지는 권력과 그 해에 구성되는 면접관들의 생각으로 분리 해체된다. 그러니까 지원자들의 꿈과 열정은 재능이라는 한 단어로 재구성되어 선배들의 심판을 기다리는데, 결국엔 평균적인 재능이 모이는 곳이 또한 영화학교라는 생각도 들긴 하더라.

19점과 10점을 동시에 받은 학생보다는 13점.15점을 꾸준히 쌓은 평균적인 학생이 합격할 확률이 높아진다는 것, 선배 심사위원들이 자신들이 혹시 재능을 알아채지 못하고 그 꿈을 짓밟게 될까봐 노심초사 하며 토론에 토론을 거듭하곤 하지만 19점과 10점이라는 큰 갭을 보인 학생은 꼭 학교가 아니라도 어디서든 잘 해낼 것이고, 성공할 것이라는 위안 아닌 위안으로 혹시 모를 자신들의 실책을 변명하기 위한 탈출구도 마련하면서 말이다.

바늘구멍을 통과하기 위해 페미스로 들어서는 지원자들

물론 학교에 가야 성공하는 것도 아니고 제도권에서 벗어났다고 실패하는 것도 아닌 모험의 세계가 또한 영화 혹은 세상일이다. 떨어지면 또 도전할 것이라는 학생도 있고, 그냥 자기 갈 길 가는 학생도 있을 것인데, 어디든 영화를 사랑하기 때문에 모여들었던 학생들이니 잘 되길 빌겠다만 제도권 영화학교에서 아무리 재능이 있고 독창성이 있는 학생을 거르고 걸러서 뽑아도 실제 현장에서 성공할 확률은 제도권 교육을 받지 못한 친구들과 거의 비슷할 것 같기도.

영화 세계라는 곳은 결국 재능이 전부이기 때문일지도. 제도권 교육을 충실히 받고 한국의 페미스라는 한국 영화 아카데미를 졸업한 봉준호가 세계 최고가 되었던 만큼, 제도권 밖에서 고군분투한 임권택도 적어도 최고는 되었기 때문이다. 언제가는 다가올 기회에 재능을 타고난 녀석이 성공할 수 밖에 없는 살벌한 예술의 현장이 바로 영화계일지도.

외계인 삐에로 Killer Klowns from Outer Space

구름2da — Tue, 2 Jun 2020 01:30:38 +0900

외계인 삐에로

재미있는 상상력이다. 미국인들에게 있다는 삐에로공포증을 잘 활용한 듯 싶고,

코믹호러라 부담도 적다. 우주에서 식량을 구하기 위해 지구에 도착한 삐에로 우주인

그들은 솜사탕처럼 보이는 고치안에 사람을 저장해 즙을 빨아먹는다.

서커스단 천막같은 우주선, 좌충우돌 인물들. 팝콘 총 등 미국의 서브컬처를 호러와 활용한다.

80년대풍의 가벼움도 즐길만 하다.

2대 트로이카 유지인의 미모에 밀리지 않는 김자옥의 대결 <낯선 곳에서 하룻밤>

구름2da — Mon, 1 Jun 2020 02:35:04 +0900

낯선 곳에서 하룻밤

우연히 동혁과 만난 혜린은 5년전을 회상한다. 자신의 환경을 비관하며 엄마의 무덤이 있는 고향에서 자살을 결심 했던 혜린은 동혁을 만나 위안을 받고 하룻밤을 보낸 후 삶의 의욕을 찾는다. 하지만 곧 임신을 했음을 알게 되고 동혁의 가정에 피해를 주지 않기 위해 사라졌던 것. 동혁은 혜린의 아들 훈이 자신의 아들임을 알게 된다. 혜린은 다시 한번 동혁의 가정에 피해를 주지 않기 위해 이모가 있는 어촌으로 가지만, 자신을 강간하려는 남자를 폭행하고 체포된다. 아들 훈을 동혁에게 보내고 교도소에 수감된 혜린은 출소 후 그들을 떠나려 하지만 엄마를 찾는 훈을 외면하지 못하고, 동혁과 그의 아내도 훈을 혜린에게 보낸다.

60년대 후반 <미워도 다시한번> 이후 계속 반복, 변주되고 있는 아이를 둘러싼 한 남자와 두 여자의 이야기가 80년에 개봉된 김응천 감독의 <낯선 곳에서 하룻밤>까지 이어지고 있다. 이 영화는 상투적인 이야기를 아주 상투적인 방식으로 하는 낡은 이야기구조이긴 하지만 영화 자체는 뭔가 안정적인 느낌을 받기도 했는데, 촬영이나 편집이 뛰어나다 할 수 는 없겠지만 딱 그만큼 잘 잡아낸 것 같았기 때문일 수도. 혹은 딱히 악역이 없다는 것도 의외로 안정감을 주는구나 싶었다. 청춘 영화의 대부라는 호칭을 듣는 김응천 감독이 만든 80년대 하이틴영화들 보다도 멜로 영화인 <낯선 곳에서 하룻밤>의 연출이 더 좋게 보였다. 그럼에도 어쩔 수 없게도 구닥다리는 구닥다리. 만약 시간을 내서 이런 스토리의 영화를 봐야 한다면 오리지널 <미워도 다시한번>을 선택하는 게 현명한 방법.

개봉 : 1980년 2월 9일 피키다리 극장

감독 : 김응천

출연 : 신성일, 유지인, 김자옥

보름달을 조심하라. 재밌는 늑대인간 영화 <런던의 늑대인간 An American Werewolf in London>

구름2da — Fri, 29 May 2020 11:40:49 +0900

런던의 늑대인간

존 랜디스 감독의 1980년 작품 <런던의 늑대인간>은 존재론을 저 멀리 던져 버린다. 주인공 데이빗은 왜 자신이 늑대인간이 되어야 하는지 회의하지 않는다. ‘아! 나는 늑대인간이 되었구나’ 바로 인정하고 경찰서로 달려가려는 청년이다. 영화는 재미를 위해 달린다. 그래서 영화가 별 내용이 없다고 느낄 수도 있지만, 대신 참신함이라는 만족감을 준다.

늑대로 변하는 과정의 아날로그적인 특수효과도 만족스럽고, 배우들의 연기도 부담스럽지 않다. 늑대인간에게 같이 공격당한 후 죽은 데이빗의 친구 잭은 고민하지 말고 그냥 죽음으로 속죄하라고 말하고 다니는 것도 부담스럽지 않게 연출된다. 늑대인간에게 죽은 사람들은 그 늑대인간이 죽지 않은 한 저승으로 못 가고 구천을 떠돌아다녀야 하기 때문.

결국 사랑도 막지 못한 보름달의 본능은 데이빗을 죽음으로 몰고 간다. 존재론을 들고 오지 않았기 때문에 데이빗의 죽음도 그리 비극적 정서를 내포하지 않게 그려낸다. 총에 맞아 쓰러진 데이빗의 모습을 길게 보여주지도 않는다. 관객의 감정이입 완전 차단. 그리고 그의 죽음 이후 바로 엔딩크레딧. 영화 속 인물도 고민을 하지 않지만, 관객도 그런 고민 하지 말고 영화를 즐긴 후에 가벼운 마음으로 극장문을 나서라는 듯 말이다. 한 마디로 아주 훌륭한 오락영화로 탄생한 유쾌, 상쾌 <런던의 늑대인간>인 셈이다.

기지촌 여성의 사랑 <철새들의 축제>

구름2da — Thu, 28 May 2020 00:47:01 +0900

철새들의 축제

70년대와 80년대 중반까지 활발하게 영화를 연출한 이원세 감독의 작품들은 영화사에 걸작으로 칭송될 만한 작품은 드물지만, 완성도 있는 좋은 영화를 많이 만들었다. <난장이가 쏘아올린 작은 공>, <광화문통 아이>, <목마와 숙녀>등은 좋아라 하는 작품이다. <엄마없는 하늘아래> 시리즈는 전국민을 울음바다로 만든 그의 대표작이라 할 만하다. 어떻게 보면 작품의 편차가 극과 극을 오간다고 말할수도 있을 것 같은데, 1973년 작품 <석양에 떠나라>나 1978년 작품 <철새들의 축제>같은 영화들은 완성도가 떨어지는 작품군에 속한다고 할 수 있다.

<철새들의 축제>는 영화가 시작되면서 초반 10분정도 까지, 그러니까 여주인공 승희가 아이를 미국에 보내고 기지촌으로 들어오는 장면까지의 연출은 이원세 감독의 장기가 제대로 발휘되었다고 할 만큼 편집의 리듬이 좋아서 무척 마음에 들었다. 하지만 그 도입부 시퀀스 이후 영화가 후반부로 갈수록 어쩌지 못할 정도로 이야기가 늘어진다. 엉성한 시나리오가 발목을 잡는 모양새. 무리하게 기지촌 여성과 남파 간첩을 엮는데다가, 뜬금없는 미국우방찬양론까지 보다 보면 민망해질 정도. 결국 용두사미가 된 채 각각의 에피소드가 마치 어울리지 않는 옷을 입고 있는 느낌의 영화가 되고 말았다. 가수 박일준이 기지촌의 혼혈아로 출연한다. 그는 이후 유현목 감독의 <상한갈대>에서도 혼혈아로 출연해 좋은 연기를 보여주기도 했다.

개봉 : 1978년 9월 16일 코리아 극장

감독 : 이원세

출연 : 유미나, 김추련, 최봉, 도금봉

변강쇠 이대근과 가수 혜은이의 전남편 김동현의 요상한 우정 <황토기>

구름2da — Wed, 27 May 2020 03:01:59 +0900

황토기

포스터 출처 : kmdb

조문진 감독의 1979년 작품인 <황토기>는 김동리의 소설을 원작으로 만들었다., 시내 개봉관에서 개봉을 못하고 1980년에 변두리 극장에서 단 이틀 상영된 기록만 찾을 수 있다. 아마 개봉 보다는 문예영화로 대종상에서 상을 받아 외화쿼터를 노린 작품이었던 모양이다.

<황토기>는 퀴어영화 카테고리에 넣어도 무방할 정도로 득보와 억쇠의 관계가 심상치 않다. 조문진 감독은 일제 강점기라는 암울한 시절, 아무것도 할 수 없고 억눌릴 수밖에 없는 사내들의 모습을 동성애적으로 보일 정도의 애착으로 드러낸다. 물론 진한 사나이의 우정으로 감추어져 있지만 말이다. 결국 스토리에서 여자들이 모두 배제된 채 남게 되는 두 남자 억쇠와 득보는 그들이 할 수 있는 유일한 사랑의 표현인 주먹다짐을 통해 힘이 있으나 쓰지 못하는 패배주의를 자위한다. 여기에는 두 가지 시대가 등장하는데, 하나는 영화속 일제강점기이고, 또 하나는 영화가 만들어진 70년대 후반의 박정희 유신시대다. 두 시대 모두 모양은 달라도 총칼을 휘두르는 권력의 폭력을 정당화하면서 마초적 남성적 힘을 강조하고 있는 듯 보이지만, 일반 국민으로서의 남자들의 힘은 억압된다는 점에서 동일한 셈이다. 하지만 영화 <황토기>에서 득보와 억쇠가 솟구치는 힘을 동성애적 자위 대신 바깥으로 뛰쳐 나갔다면 어땠을까 싶은 아쉬움은 있다. 이렇게 스토리가 가지고 있는 우유부단함은 조문진 감독이 스스로 자가 검열을 한 결과였을 수도 있을 듯. 외화쿼터를 노리는 영화가 당대의 서슬퍼런 검열의 칼날에 베어지면 안되기 때문이었을지도. 어쨌거나 비디오가 꽤 잘린 듯 화면 연결이 부드럽지 못한 부분이 있지만 잘 알려지지 않은 숨겨진 영화라 할 만하다.

개봉 : 1980년 9월 16일 새서울극장

감독 : 조문진

출연 : 이대근, 김동현, 선우용녀

이미숙 리즈시절이 빛나는 이두용 감독의 1983년 작품 <이상한 관계>

구름2da — Tue, 26 May 2020 12:10:31 +0900

이상한 관계

금술이 좋아도 너무 좋은 부부 민수와 혜옥. 어느날 남자 아이가 민수가 아버지라며 찾아온다. 민수는 그럴 리가 없다며 강력히 부인하지만 혜옥의 의심은 쉬 가라앉지 않는다. 그런 와중에 윤기숙이라는 여자에게서 연락이 오고 만나기로 한 장소에 남편이 나타나자 의심은 더해진다. 휴양차 떠난 절에서 정신병자의 공격을 받은 혜옥은 남편과 윤기숙이 사주한 것으로 오해하고 충격으로 쓰러지는데... 결국 모든 사건은 윤기숙의 복수극이었음이 밝혀지는데, 민수가 어린 시절부터 자신을 뒷바라지했던 기숙을 버린 것. 더군다나 기숙이 늪에 빠졌을때의 충격으로 아이를 유산까지 했던 것이었다.

포스터/스틸사진 출처 : kmdb

<이상한 관계>는 80년대 한국영화의 대표 감독이었던 이두용 감독의 미스터리 장르의 작품으로 흥행에 실패하면서 잊혀진 영화다. 그럼에도 영화는 재미있게 볼 수 있었는데, 윤기숙이라는 여자가 누구인지, 남자아이는 진짜 민수의 아들인지 등 영화의 초반부 사건들은 스토리에 집중하게 만든다.

하지만 사건과 사건을 이어가는 구성이 촘촘하다는 느낌은 부족해서 후반부로 갈수록 몰입의 힘은 약해지는 편이다. 특히 소품을 활용한 서스펜스 효과는 설명이 부족한 장면이 많아 의혹을 해소하지 못한 채 두루뭉술하게 넘어가기도 하는데, 특히 늪에 완전히 빠져 버린 윤기숙이 그 늪을 어떻게 빠져 나왔는지를 아예 알 수가 없는 것도 아쉬운 부분 중 하나다.

결말도 조금은 아쉽다. 자본주의 사회에서 신분의 수직 상승을 꿈꾸었던 민수의 잘못된 판단이 부른 사건이면서도 민수에 대한 단죄는 어떤 식으로도 없는 셈이다. 혜옥은 결국 남편을 지키기로 했고, 희생양인 기숙 역시 서로 위하는 가족을 보며 복수를 단념하는 결말은 지극히 한국적이라는 느낌이다. 그럼에도 이두용 감독이 애써서 영화를 끌고 가고 있다. 시나리오가 조금만 더 받쳐주었다면 꽤 괜찮은 영화가 되지 않았을까 싶기도 하다.

개봉 : 1983년 11월 26일 명보극장

감독 : 이두용

출연 : 이미숙, 한지일, 민복기

허쉬... 허쉬, 스위트 샬롯.Hush... Hush, Sweet Charlotte

구름2da — Fri, 15 May 2020 02:37:43 +0900

허쉬... 허쉬, 스위트 샬롯.Hush... Hush, Sweet Charlotte

바람과 함께 사라지다에서 고혹적이었던 올리비아 드 하빌랜드가 샬롯의 재산을 빼앗기 위해 치밀하게 계획하고 행동하며 샬롯을 정신병으로 몰아가는 악녀로 등장하여 그 고운 얼굴에 차가운 송곳을 감춘 연기가 썩 좋았다. 영화는 이 악녀의 승리로 돌아가는 듯 싶었지만 결국 모든 사실을 알게 된 샬롯은 어떻게 했을까요? 경찰에 신고해서 법의 심판을 받게 한다고 생각했다면 당신은 헐리우드 키드. 로버트 알드리치 감독은 그럴 시간이 어디있냐는 듯 샬롯이 자신이 속았다는 사실을 알자마자 고민할 틈도 주지 않고 태연하게 그들을 죽게 만든다. 화끈한 결말이 마음에 들었던 영화.

이자벨 위페르의 젊은 사랑. 모리스 삐알라 감독의 <룰루 Loulou>

구름2da — Thu, 14 May 2020 01:24:12 +0900

룰루 Loulou

모리스 삐알라 감독이 1980년에 발표한 <룰루 loulou>를 보면서 젊은이들의 고민은 그때나 지금이나 그다지 변한 것이 없구나 하고 생각해보게 된다. 만약 룰루와 똑같은 내용을 제라르 드빠르디유와 이자벨 위페르 대신 티모시 샬라메와 시얼사 로넌을 캐스팅해서 요즘의 공간과 의상을 입고 똑같은 대사로 다시 촬영해도 21세기의 젊은이들의 일상을 보여주는 영화로 충분히 공감을 얻을 것 같았기 때문이다.

일상의 본질은 변하지 않는 것인가 보다. 단지 주위의 공간과 사상은 변할지라도 인간이 살아가는 모습은 여전하기 때문인 것 같았다. 그렇다면 일상을 다루는 것으로 유명한 홍상수의 영화를 30년이 지난 후에 보게 되어도 어떻게 저렇게 똑같은 고민을 하고 있냐?하고 생각할 수도 있을 것 같았다. 하긴 그러니 고전이 존재하는 것이겠지. 보편적인 질문은 시대를 넘어서는 공감대를 형성하나 보다.

그러므로 나는 영화가 진행되면서 내러티브의 문제보다는 결론을 어떻게 끌어낼 것인가가 궁금해지기 시작했다. 영화제목이 룰루인 것을 보면 룰루라는 인물의 행동과 심리변화에 주목해야 하는가 보다 했지만 의외로 영화는 20대의 이자벨 위페르가 연기하고 있는 넬리라는 인물의 동기와 행동과 심리변화가 더 중요하게 느껴지기 시작했다. 결국 영화는 그녀가 조건 좋은 남자친구를 버리고 건달인 룰루를 선택했는지, 그들의 사랑은 어떻게 진행될 것인지에 대해 이야기한다. 그리고 그 사랑에 대한 책임은 어떻게 지려는지 등등.

영화는 넬리와 룰루가 동거하는 모습과 함께 주변 인물들을 스케치한다. 먼저 다양한 친구들의 모습은 동시대 다양한 젊은 군상들의 모습이면서 당대 프랑스 젊은이들의 가치관에 대해 보여주는 구성이다. 그러다가 룰루와 넬리의 가족을 슬쩍 보여주면서 은근히 계급(?)의 문제를 건드린다. 넬리의 오빠를 통해 넬리가 중산층 가정에서 자란 여성이라는 것을 짐작하게 한 후 바로 하층 계급(?)으로 보이는 룰루 가족의 모습을 보여준다. 넬리는 처음으로 이질감을 느낀다. 그녀는 곧바로 아이를 낙태한다.

넬리의 낙태의 이유에 대해 영화에서는 설명을 하진 않는다. 룰루는 아이가 태어나면 직업을 구하고 새 출발 하겠다고 얘기하곤 했지만, 낙태로 구심점을 잃어버린다. 넬리는 왜 낙태를 선택했을까? 넬리는 룰루의 가족을 통해 그들의 결합이 불가능함을 느낀 것일까? 헤어지려고 하는 수순인가? 영화가 끝날 때 까지 두 사람은 헤어지지는 않는다. 모리스 삐알라 감독은 두 사람의 운명을 관객에게 맡기고 있다. 헤어졌을지? 아니면 여전히 같이 살게 될지? 그것은 관객의 가치관이 결정할 문제인 것이다.

어쨌든 나는 마지막 장면이 ‘짠’하게 다가왔다. 아이가 태어나면 직업을 갖겠다는데, 새 출발하겠다는데, 그런데 그것이 정답이라고 생각하면서도 어떻게 살아야 되는지 방법을 모른다는 것이 룰루를 혼란스럽게 만든다. 술에 취한 룰루를 부축하는 넬리의 왜소한 어깨 역시 ‘짠’하다. 영화는 그렇게 갑작스럽게 끝난다.

애정의 위기를 그들은 잘 극복하고 삶을 영위할 수 있을까? 모리스 삐알라 감독은 마치 계급의 문제가 관계에서 이렇게 중요하다는 듯이 말하는 척 하면서 실은 알고 보면 그것은 쥐꼬리에 불과하고 신뢰의 문제가 더 크다는 것을 말하고 있는 것 같다.

호랑이는 겁이 없지 Vuelven

구름2da — Wed, 13 May 2020 11:25:56 +0900

호랑이는 겁이 없지

마약과 전쟁중이라는 멕시코. 결국 패배했다는 소식을 접했던 것 같은데, 이 영화를 접하고 보니 멕시코가 정말 미친 곳이구나 싶고. 암담한 현실을 호러라는 장르에 녹여낸데다 아이들이 주인공이라 그런지 더 암울하게 느껴진다. 아이들이 삶을 버티기 위해 견뎌야 한다는 것. 무지막지한 멕시코 갱은 아이들에게도 인정사정 없는데. 이런 사실적인 연출이 멕시코의 현실을 있는 그대로 드러내고는 있는데 현실에서 조차 달라질 건 없으니 판타지로 간 걸지도 모르겠다. 비슷한 소재의 영화 <시카리오>에서 느꼈지던 끔찍한 지옥도가 다시 생각나기도.

아이들이 주인공이라 알게 모르게 천진난만함도 느껴지곤 하는데 그런 이율배반이 비극을 더 현실적으로 보이게 한다. 그 원한을 어떻게 감당할 것인가? 그럼에도 불구하고 감독은 호랑이를 내세우며 힘을 키우고자 하며 드넓은 들판을 보며 희망을 꿈꾼다. 역시 아이들이 희망이기 때문이리라. 엄마의 팔찌가 에스트레아에게 기어코 전달되었듯이 사랑만이 해답이고 길이다.

토이스토리 4 Toy Story 4

구름2da — Wed, 13 May 2020 11:20:18 +0900

토이스토리 4

토이 스토리를 제대로 감상한 건 4편이 시리즈 중 처음인데 꽤 재미있게 보았다. 장난감들이 펼치는 우정과 사랑 그리고 희생의 이야기도 좋고, 거기에 더해 인형을 경유한 사람들 사이의 관계의 문제까지 짚어내면서 재미는 물론 감동도 있더라. 우디가 보니와 헤어지고 그걸 어쩔 수 없는 운명이라 여기는데, 나중에 우디가 스스로 보니를 선택하는 것을 보노라면 아이가 자라듯 장난감도 자란다라는 말이 실감나면서, 성장이란 이런 거구나 하고 설득 당한다.

이전 3편의 시리즈의 내용을 모르니 그 연결성은 알 수 없지만, 그렇다 해도 문제될 게 없는게 4편 한편만 놓고 보더라도 이야기의 완결성이 있어서 전혀 어색하지 않다. 개비 개비를 통해 누군가 나를 선택해주길 기다리지 말고 스스로 방법을 찾아 갇힌 공간을 박차고 나가야 한다는 이야기는 스스로 진취적이어야 한다는 메시지를 주는 것 같아 좋더라. 아이와 어른이 함께 봐도 모두 재미를 느낄 만하다.

애틀란틱스 Atlantique

구름2da — Mon, 11 May 2020 03:29:21 +0900

애틀란틱스 Atlantique

사건은 체불된 임금 3개월치에서 비롯된다. 세네갈의 남성 청년들은 자신의 노동과 꿈을 담보해주지 못하는 국가에 대한 절망과 패배감으로 잘 사는 나라인 유럽의 일원 스페인으로 밀입국하기로 의기투합한다. 남아있는 여자 청년들이라고 만만한 게 아니다. 이슬람의 전통이 강한 나라에서 집안의 강요된 결혼을 해야 하는 상황이다. 어쨌거나 청년이라는 이름의 그들은 돈도 사랑도 얻기 힘든 현실이다.

첫 장면부터 인상적이다. 세네갈의 낡은 도시와는 어울리지 않는 거대한 높이의 건물이 완공되어가는 중이다. 그것은 마치 완성되지 못한 먼 옛날의 바벨탑같은 모양새. 이로써 감독은 탐욕의 자본주의가 어떻게 정치(경찰)와 결탁하고 사람들의 피와 땀을 착취하는 지 보여준다. 하지만 이 나라는 아직 탈출구가 없어 더 절망적인 상황. 결국 청년들은 대서양에서 죽음을 맞이하고 그들은 귀신이 되어서야 고향으로 돌아와 자본가에게 복수하고, 사랑을 쟁취할 수 있다.

<아틀란틱스>에서는 여주인공인 아다가 진취적인 캐릭터다. 아직 이슬람의 영향이 강한 가운데 그녀는 여성으로서의 자신의 인생을 스스로 쟁취하고자 한다. 돈밖에 없는 남편과의 결혼을 거부하고, 자신의 진정한 사랑을 찾으려 한다. 비록 귀신이 되어 돌아온 슐레이만과 사랑을 나눈 후 그녀는 자신이 올곧게 서있다고 믿게 된다. 저개발국가에서 이런 믿음은 얼마나 소중한가?

마티 디옵 감독의 <애틀란틱스>는 기생충이 황금종려상을 받았던 2019년 칸영화제에서 심사위원 대상을 수상했다. 남자 청년들이 생계와 현실의 무게를 짊어지기 위해 위험한 대서양을 건너야만 하는 삶의 무게도 같은 크기로 담았다면 좋았겠지만 세네갈의 여성 감독으로서 마티 디옵 감독은 이슬람사회에 살고 있는 여성들의 진취성에 좀 더 무게를 두고 싶었던 것 같다. 지식인으로서의 그녀는 세네갈의 여성이 현실을 깨우치고 작은 걸음일지라도 좀 더 투쟁해주길 바라고 있는 것 같다.

의적 일지매

구름2da — Fri, 8 May 2020 02:53:37 +0900

의적 일지매

부정부패와 탐관오리의 학정이 극에 달한 조선 말엽. 김만근과 그 일파는 끊임없이 악행을 저지르고 있다. 그 즈음 마을에는 양민을 돕는 일지매라는 사람이 출몰하여 부자의 돈을 빼앗아 가난한 사람들에게 나누어주고 있어 의적이라 불리고 있다. 덕진이 바로 그 일지매다. 그는 김만근 일당을 쳐부술 생각에 가득하다. 그의 여동생 연화는 기생으로 위장하고 있다. 인걸은 박흥수라는 가명으로 그들과 만난다. 그 역시 김만근 일당을 쳐부수려 하는데, 그는 김만근의 애첩 도금봉에게 청을 넣어 금부도사가 된다. 박흥수는 덕진이 일지매라는 것을 알지만 그런 그를 그냥 내버려둔다. 알고 보니 흥수 역시 일지매 가면을 쓰고 덕진을 돕고 있다. 연화는 예전 어린 시절 인걸과 이미 정혼했던 사이였다. 인걸 역시 숙향 아씨 즉 연화를 찾아다니고 있다. 그들의 팔에는 증표로서 매화무늬가 있다. 덕진은 김만근으로부터 만냥을 빼앗아 혈판정이라는 서류를 빼돌리려하나 잡히고 만다. 이때 일지매로 분장한 인걸이 나타나 그들을 쳐부순다. 김만근 일당은 잡혀가고 평화는 오나, 인걸은 연화와 결혼을 포기하고 세상을 구하기 위해 다시 길을 나선다.

개봉 당시에는 좋은 평을 받았다고 하나, 지금의 눈으로 보면 조금 부족해 보이는 편이다. 무엇보다 스토리가 치밀하지 않아 조금 헐거운 느낌인데, 한마디로 중구난방이라는 느낌도 들 정도. 게다가 액션 영화임에도 불구하고 속도감이 느려 살짝 지루한 편이다. 그럼에도 당시 컷의 수가 한국영화의 평균적인 컷보다 많다고 하지만 활극적 리듬감을 살리는 데는 부족해 보였다. 특히 스토리의 일관성부족과 일지매의 활약과 액션도 약한 편이다. 영화와 인걸의 ‘사랑찾기’역시 서스펜스를 만들어내는 것엔 역부족이라, 이런 모든 영화적 구성이 지루하다는 생각을 하게 한 건 아닌가 싶다.

반면 흥미를 끄는 점은 일지매가 한 명이 아니라는 것, 덕진은 그의 하인 돌쇠와 같이 일지매로 변장할 수 있고, 인걸 역시 그의 하인과 같이 일지매로 변신한다. 보통 한명의 영웅이 세상을 구하는 내러티브가 영웅 서사인데, 이 영화에서는 영웅이 네 명이나 되고 더 나아가면 모든 사람이 일지매가 될 수 있다는 점을 강조하는 듯해 서구영화와의 차별성을 느껴진다.

하지만 기생이 오랫동안 순결을 유지할 수 있을까에 대해서도 조금 공감이 안 되고, 왜 여동생을 기생으로 만들어야 하는지도 알 수 없다. 그러면서 오빠는 몸가짐을 바르게 하라고 하니 이거야 원~~. 덕진과 인걸은 개인보다는 국가와 민족을 위하는 사람인데, 그 표현방법이 얼마나 설명조인지 마치 앵무새가 지저귀는 듯하다. 그리고 마지막 장면에서 주인공격인 덕진은 어디로 사라진건가? 인걸만 세상을 구해보겠다고 떠나고 연화는 다시 남겨진다. 역시 마무리가 아쉽다. <의적 일지매>는 80년대 까지 꾸준히 활동하며 활극과 멜로 등 대중적인 영화를 주로 만든 중견 감독 장일호 감독의 첫 연출작이다.

개봉 : 1961년 5월 11일 명보극장

감독 : 장일호

출연 : 최은희, 김석훈, 이예춘

격퇴(우리는 이렇게 싸웠다)

구름2da — Thu, 7 May 2020 11:01:14 +0900

격퇴 (우리는 이렇게 싸웠다)

<격퇴(우리는 이렇게 싸웠다)>는 <피아골>로 주목을 받은 이강천 감독이 1956년에 다시 내놓은 전쟁 영화다. <피아골>이 북한군을 인간적으로 묘사하여 반공정신이 부족하다는 비판을 의식해서인지 <격퇴>에서는 용감히 싸우는 군인들의 희생과 전우애에 초점을 맞추고 있다. 베티고지를 사수하기 위해 중공군과 치열한 전투를 벌였던 김만술 상사와 그 부대원들의 실화를 영화화했다고 한다.

6.25전쟁. 물자도 포탄도. 모든 것이 부족한 상황에서 애국심과 전우애로 베티고지를 지켜낸 이야기다. 영화적으로는 처음부터 끝까지 전쟁영화의 스텍터클을 강조하고 있다. 선과 악이 분명한 상황에서 아군과 적군의 동선이 완전히 분리되어 있어 어렵지 않게 전쟁 상황을 이해할 수 있다. 그리고 사이사이 전우애를 강조하고 있는 부분이 눈에 띤다. 전쟁에서 무조건 이겨야 함을 드러내는 장면에서 나라를 지켜야 한다는 의미가 증폭된다.

그리고 이강노 하사를 중심으로 보여주는 가족서사를 통해 이 전쟁에서 남자들, 아버지들이 가족을 지키기 위해 얼마나 큰 희생을 했는가를 보여준다.

중공군의 압박이 심해진 가운데, 베티고지를 사수하기 위해 김만술 상사는 김무철 상사와 함께 고지로 향한다. 중공군의 격렬한 공격이 있지만 고지에 접근하는 데 성공한다. 김만술 상사와 김무철 상사는 둘로 나눠 고지를 지키기로 한다. 전투가 잠시 소강상태로 접어들자 김만술 상사는 적군에게 포로로 잡힌 부하를 구하기 위해 홀로 적진에 뛰어든다. 부상당한 전우를 위하는 모습. 담배 한 대를 통해 피어나는 전우애. 그리고 적의 공격으로 눈앞에서 죽어가는 동료를 향한 안타까움 등 군인 이전의 인간으로서의 모습을 보여준다.

다시 전투가 격렬해진다. 부하가, 동료가 죽어간다. 통신선이 계속 끊어져 통신은 계속 두절된다. 그 와중에 중공군은 끊임없이 몰려오며 베티 고지를 둘러싼 전투는 점점 더 치열해진다. 중앙에서는 지원을 해주고 싶으나 통신이 끊어져 돌아가는 상황을 알 수가 없다. 그 와중에도 김만술 상사는 뚝심있게 리더십을 발휘한다. 결국 이강노 하사가 통신선을 다시 연결하는데 성공하고, 중앙의 지원이 이루어지면서 전투를 승리로 이끈다. 살아남은 대원들은 먼저 간 대원들의 죽음을 헛되이 하지 않기 위해 더 열심히 싸우기로 한다.

개봉 : 1956년 4월 4일 단성사

감독 : 이강천

출연 : 황남. 최봉. 박노식. 윤일봉

타인의 방

구름2da — Wed, 6 May 2020 01:58:02 +0900

타인의 방

김문옥 감독의 <타인의 방>은 1980년 1월 1일 신정특선영화로 개봉되었다. 관계자들 사이에서 꽤 기대작이었던가 보다. 하지만 이런 기대작의 영화적 완성도는 솔직히 처참할 지경이다. 김문옥 감독은 죄송하지만. 내 기준에서. 몇 작품을 본 결과로. 한국에서 가장 영화를 못 만드는 감독중의 다섯 손가락 안에는 들어갈 만하다고 생각한다. 데뷔작인 <타인의 방>부터 김문옥 감독은 영화의 기본이 제대로 안되어 있었구나 싶었다.(일개 영화팬의 의견일뿐이다.) 물론 당시 불황의 늪에 빠져있던 상황이나 한국영화계의 한계가 있었다곤 하더라도 이런 식으로 시나리오를 부실하게 만들지는 않을 터. 그러므로 김문옥 감독은 총체적으로 재능이 없는 감독이라고 말하고 싶을 정도. 최인호의 원작이 이렇게 허접할리는 없으니 결국 이것도 감독탓이리라.

민세영(이영옥)은 결혼에 대한 꿈을 가지고 있다. 그러나 결혼식 날. 남편이 희대의 바람둥이임이 밝혀지고 구속되면서, 세영은 무작정 거리로 뛰어나간다. 이렇게 웨딩드레스 입고 거리고 뛰어나가기 한국영화 3부작이 있다. (타인의 방, 고속도로, 그대안의 블루. 더 있을수 있지만 기억나는 건 이정도)

도망가다 들어선 극장. 간판을 그리는 장원(김추련)의 도움으로 위기에서 벗어난다. 얌전한 신사 같았던 장원은 그날밤 세영을 범한다. 그녀를 사랑한다고. 하지만 세영이 거부하자 고향으로 가는 차비를 주고 떠나버린다.

세영은 고향 강릉으로 간다. 어머니는 죽어가면서 여자의 순결은 무엇보다 중요하며, 정조를 꼭 지키라며 족두리를 남기고 죽는다. 이렇게 볼 때 김문옥 감독은 고전적인 순결 신파 레퍼토리에서 벗어날 생각이 전혀 없음을 일치감치 알려준다. 그래서인지 이 영화에는 첫 작품을 만든 신인 영화감독으로서의 패기도, 파격도 없이 이전 3류 영화감독 선배들이 남겨놓은 진부한 클리쉐를 반복한다.

한 한두어달만에 서울에 올라온 세영. 그사이 장원은 건설회사 선전부장이 되어 있는데다, 재벌이라할 그 집 외동딸과 사귀고 있다. 어떻게 부장이 되었는지? 재벌집 딸은 극장 간판쟁이인 장원과 어떻게 만나 사랑에 빠지게 되었는지 전혀 나오지 않는다. 그냥 그 사이에 사랑에 빠진 것이다. 도도한 재벌집 딸이 간판쟁이와 사랑에 빠질려면 장원이 뭔가 매력덩어리여야 하는데 그게 뭘까? 영화속에서 그걸 표현하지 않으니 도통 모르겠다. 더군다나 세영은 한번 잔 남자와 그것도 한번 거절했던 남자와 평생 살겠다며 가방 하나 달랑 들고 오는 거하며. 장원은 사랑한다고 하더니, 언제 그랬냐는 듯 냉정하게 세영을 버린다.

세영이 처량하게 처마 밑에서 비를 피하고 있는데, 갑자기 왠 잘생긴 남자가 접근한다. 동민(이영하)이다. 이 정도는 인정해 줄 수 있다. 그럴수도 있지. 동민은 갑자기 세영에게 자기 집에서 살아라고 한다. 세영은 이제는 자신이 장원에게 복수하겠다고 다짐한다. 곧 세영은 장원이 있는 회사에 사장비서로 취직한다. 취직하기 참 쉽다. 곧 자신의 정체를 사장딸에게 알리겠다고 협박하자, 장원은 항상 세영을 사랑했다며 순정남으로 돌변한다. 사장 딸과 헤어지고 회사도 그만둔다.

동민은 세영을 사랑한다며 모든 걸 이해하겠다고 한다. 세영은 장원에 대한 복수는 성공했다고 생각하는지, 이제 동민에게 매달린다. 그런데 갑자기 동민이 캐나다로 떠나버리겠단다. 장원이 있으니 행복하라며, 나중에 불행해지면 다시 자기를 찾으라면서, 이게 뭔 개뼉다구같은 소린가. 장원은 사랑하는 세영이 웨딩드레스를 입은 그림을 남기고 죽어버리고, 홀로 된 세영은 동민이 남긴 아파트 열쇠를 멀리 던져버린다.

그래서 세영은 달라졌는가? 아무것도 없다. 이 영화에서 사건은 갑작스럽고 우연하게 일어났다 갑작스럽게 종결된다. 세영이 복수를 했는지 안했는지도 영화상에서 표현이 애매하다. 아파트 열쇠를 왜 버리나. 아깝다. 그렇다고 그녀에게 행복이 왔는가? 그녀는 도도하게 아파트 열쇠를 던져 버리지만 관객은 세영에 대해선 여전히 아무것도 알지 못한다. 이런 영화라니. 세영을 연기한 이영옥의 열연만 아깝다.

개봉 : 1980년 1월 1일 서울극장

감독 : 김문옥

출연 : 이영옥, 이영하, 김추련

릴팅 Lilting

구름2da — Tue, 5 May 2020 02:40:56 +0900

릴팅 Lilting

중국계인 카이는 게이인데, 엄마에게 커밍아웃하기를 망설이고 있다. 그 와중에 교통사고를 당해 세상을 떠난다. 그의 연인이었던 리차드는 요양원에 홀로 남은 카이의 엄마를 위해 무언가를 하려고 한다.

이 영화는 일종의 상실에 관한 영화인 것 같다. 아들을 잃은 엄마와 연인을 잃은 남자. 엄마는 지극히 동양적인 사고방식을 가진 사람으로 영국에 이민 온 지 29년이 되도록 영어를 못한다. 그러니 아들은 동양적 사고방식으로 사는 어머니가 자신을 미워하게 될 것이 두려워 진실을 말하지 못하고 있었던 것. 그런 연인의 마음을 이해하기에 카이 대신 카이의 어머니를 보살피려는 리차드. 그들 사이에서 친절하게 통역을 해주는 중국계 영국인까지. 이 영화는 악역이 없다.

홍 카우 감독의 <릴팅>은 개개인에겐 각자의 삶이 있다는 것을 말하는 영화다. 과거에 얽매여 있지 말고, 진신을 외면하지 말자는 것. 자신 때문에 희생하려는 리차드에게 엄마는 내 인생의 삶은 내가 짊어지겠다고 말한다. 이 말이 의미하는 건 리차드 너도 네 인생을 살아라는 것. 이 영화에서 좋았던 건 여백을 활용하는 장면들이었다. 나무들, 도시들, 그 외 등등 뭔가 고즈넉한 풍경을 씬과 씬사이에 자주 끼워 넣는데, 감정의 조절과 영화의 리듬을 생각했을 때 아주 좋아 보이더라. 이런 연출 방식이 내용과 맞물려 여운을 남겨준다.

007 시리즈의 젊은 Q 벤 위쇼와 홍콩 무협영화의 진주였던 정패패가 리차드와 엄마 역할을 맡아 좋은 연기를 보여준다.

쿠치의 여름 A Time in Quchi

구름2da — Mon, 4 May 2020 02:27:38 +0900

쿠치의 여름

몇 년 전까지는 기계화된 도시의 아이가 등장했다면, 최근에는 스마트폰과 인터넷을 손에서 놓지 못하는 디지털화된 도시의 아이가 등장하여, 디지털이 그다지 쓸모가 크지 않은 시골에서의 경험을 통해 사람 사이의 관계와 정을 배운다는 이야기가 등장하기 시작했다. 장초치 감독의 <쿠치의 여름>은 도시와 대비되는 시골생활을 풍부한 서정성으로 풀어낸 영화다.

도시의 아이 샤오바오는 디지털세상에서 소통의 부재와 관계의 단절을 겪는 것처럼 보인다. 감정조차 잘 드러내지 않는다. 그런 그가 방학동안 시골로 내려와 할아버지와 친구 뭥치안, 이웃들과 어울리면서 웃음을 찾고, 친구의 죽음과 할아버지의 수술을 보며 영원히 곁에 머물 수만은 없는 것들에 대해 알아가고 극복하면서 조금씩 내면이 성장한다. 익숙한 패턴의 스토리지만 풍부한 자연과 아이들의 해맑음이 마음을 안정시킨다. 허우 샤오시엔의 동년왕사를 떠올리게도 한다.

바운더리스 Boundaries

구름2da — Thu, 30 Apr 2020 04:20:44 +0900

자존감이 낮은 엄마와 예술적 끼가 충만해 친구들과 어울리지 못하는 왕따 아들. 자유로움이 뻗쳐 나가는 친정아버지. 이렇게 셋이 만드는 로드무비. 심심할 뻔한 로드무비에 아버지가 대마초를 팔고 다닌다는 설정이 재미를 좀 더 만들어낸다. 기본적으로는 서로 믿고 의지하는 가족의 이야기. 가족애의 회복을 도모하는 이야기.

아버지의 부재가 불러온 외로움이 나를 지켜줄 사람은 아무도 없다는 낮은 자존감이 되어 버린 로라. 그래서 유기 동물을 불러들이고 자신을 무시하는 사람에게만 관심을 가지는데... 차라리 그녀의 아들이나 동생처럼 외로움을 자신만의 세계를 구축하는데 사용할 수 있었다면 그녀의 삶이 조금은 달라졌을지도. 사실 두 명의 딸과 손자의 내면이 엉켜버린 것은 아버지가 아버지 자리를 지키지 못해 벌어진 상황인데, 인물들이 그 갈등을 있는 그대로 직시하면서 받아들이고, 이제 아버지는 아버지의 자리에 있고자 하는 영화이기도. 마음 편히 가볍게 볼 수 있는 영화.

로보트 태권브이와 황금날개의 대결

구름2da — Wed, 29 Apr 2020 00:43:00 +0900

로보트 태권브이와 황금날개의 대결

바벨탑이 우주인이 지구 정복을 위해 지었다는 가설로 시작해서 로보트 태권브이와 황금날개가 힘을 합쳐 우주 악당을 물리친다는 이야기. 김청기 감독이 보여주는 만화세계는 그야말로 코 묻은 돈 훔쳐 먹기 밖에 안 될 정도로 빈약하고 조악하다. 이전 태권브이 시리즈에서 셀을 재활용하는 것도 문제지만, 어쩔 수 없는 재활용이었다면 컷이라도 연결해야 되는데 그것도 못한다니... 애들이 보는데 어때 하는 장사꾼 심보로 밖에 안보여 좋게 보아지지가 않는다.

김청기 감독은 유난히 어린이들에게 사랑받는 로보트 태권브이를 프렌차이즈로 만들고 싶었던 것 같다. 당시 기술적으로 부족한 부분이 있어 일본애니메이션 로봇물의 표절에서 자유로울 수는 없었다고 해도, 스토리에라도 조금 더 신경 써서 독창적으로 했다면 평가는 달라졌을 것.

지금에야 비판은 있어도 존경도 받고 김청기 감독 스스로도 자부심을 느낀다고 말하지만 아무리 좋게 보려고 해도 이 정도 레벨의 영화라면 아무리 추억팔이라 해도 칭찬하기엔 망설여진다. 당시 한국영화계가 최대의 불황이었다고 하더라고 말이다. 만약 김청기 감독이 좀 더 예술가적 자의식이 있었다면 한국 애니메이션은 좀 더 빨리 발전했을 듯. 기회를 갖고 있었던 자가 안이한 대처로 일관하며 여름, 겨울방학용 장사만 생각했던 것 같아 아쉽다면 아쉽다.

개봉 : 1978년 7월 26일 세종문화회관 별관

감독 : 김청기

황금날개 123

구름2da — Tue, 28 Apr 2020 00:17:30 +0900

황금날개 123

개인적인 고백을 하자면 <황금날개 123>은 어린 시절 무척 보고 싶었던 영화였다. 담벼락에 붙어 있는 영화 포스터를 보면서 멋있다 생각했고, 영화를 보고 온 친구들의 자랑이 부럽기도 했었다. 그렇게 그렇게 몇 십년이 흘러 유튜브에서 보게 된 <황금날개 123>. 세월이 흘렀고 이 시절 만화영화들의 만듦새가 부족하다는 걸 알고 있었지만, 역시나 <황금날개 123>은 생각보다는 더 별로인 느낌. 스토리는 우주인에 의해 초인간으로 탄생한 현이가 우주인의 침입으로부터 지구를 지켜낸다는 스토리. 김청기 감독 작품답게 캐릭터 구성과 스토리의 조밀함이 약한 편이다. 게다가 캐릭터 디자인이 조금씩은 일본 애니메이션에서 따온 듯. 황금날개를 비롯 2호인 표범, 3호인 청동거인까지. 디자인이 어디서 많이 본 듯한 익숙함과 유사함에 다소 아쉽고. 당시 주로 일본 애니메이션의 하청업체로 수준이 뒤쳐 있던 상황임을 감안해서 어쩔 수 없이 캐릭터는 모방을 했을지 언정 이야기 골격이라도 좀 더 조밀하게 했다면 어땠을까 싶은 아쉬움 한가득 남긴 어린 시절 추억팔이용 만화 영화.

개봉 : 1978년 1월 5일 시민회관 별관

감독 : 김청기

전자인간 337

구름2da — Mon, 27 Apr 2020 02:46:51 +0900

전자인간 337

흥행에 크게 성공한 <태권동자 마루치 아라치>의 속편으로 만들어진 영화다. 임정규 감독 작품. <전자인간 337>은 마루치를 닮은 33억 7천만원을 들여 만든 로봇으로, 태권도를 비롯 각종 무술을 구사하고 3만 마력 이상의 힘을 발휘할 수 있다고 소개된다.

1시간 남짓 상영시간에 작정하고 어린이 눈높이에서 제작된 만화영화. 칸트별의 인간들은 로봇의 지배를 받으며 박해받고 있다. 그 로봇들이 지구를 정복하기 위해 로봇을 만든 마로 박사와 그의 아들 아람이 온 것인데, 알고 보니 아들에게 지구의 모든 것을 뺏어 주려 했던 아빠 마로박사의 잘못된 판단이 있었던 것. 로봇이 지배하는 게 아니라 마로 박사가 로봇을 내세워 지배하고 있었던 것. 하지만 정의로운 전자인간 337이 마루치 아라치를 비롯한 지구인들과 함께 마로박사와 로봇을 물리친다. 마루치 아라치의 장점이 조금은 희미해진 것 같다. 주제가는 좋았다.

마루치 아라치 영화글 보러가기 클릭

개봉 : 1977년 12월 8일 아세아 극장

감독 : 임정규

라우더 댄 밤즈 Louder Than Bombs

구름2da — Sun, 26 Apr 2020 14:25:34 +0900

라우더 댄 밤즈 Louder Than Bombs

아내이면서 엄마이기도 한 이사벨은 성공한 종군사진작가이기도 하다. 그녀의 죽음은 가족에게 큰 상실감을 안겼다. 특히 막내아들 콘래드는 사춘기가 겹치면서 방황을 한다. 사실 이사벨은 교통사고로 사망한 것으로 알려져 있지만, 실은 자살이다. 그 사실을 신문에 추모기사로 내려는 상황에서 아버지는 콘래드에게 밝히고자 하지만 지체되기만 한다. 그리고 어느덧 신문에 기사가 난다. 엄마의 죽음의 비밀을 알게 된 콘래드는 방황을 끝낸다.

아내이자 엄마의 죽음 이후 가족에게 찾아온 트라우마를 각 개인의 입장에서 세세하게 풀어내고 있다. 요아킴 트리에 감독의 <라우더 댄 밤즈>에서 가족은 사랑으로 이루어진 공간이지만, 안식처로만 남기에는 가족 대신 한 개인으로서의 정체성도 가지고 있다는 것에 중점을 두는 것 같다. 이사벨은 성공한 사진작가이지만, 몇 달 동안 집을 떠나 출장을 갔다 오면 집이라는 공간이 낯설게 느껴지는 것에 무력감을 느낀다. 그렇다고 가족과의 관계가 나쁜 것도 아니다. 그러나 사회적 성공과 존경이 가족에게서 느끼는 소외는 채워주지 못한다. 그렇다면 가족 혹은 집이라는 공간이 그녀를 계속 머물게 하지 못하고 떠나게 하는 건지도 모를 일이다.

새롭게 가족을 구성한 큰 아들 조나는 처음으로 그런 어머니의 본 모습을 본다. 어머니의 작업인 사진을 통해 그는 어머니의 실체와 마주한다. 어머니는 엄마이면서 여자였음을 알게 된다. 조나는 가족을 만든 후/ 아기가 태어난 후 뭔가 모를 불안함을 느끼고 어머니의 사진 작업 정리를 핑계로 아내와 아기의 곁을 잠시 떠난 후 돌아가기를 주저한다. 역시 가족이라는 공간이 그에게 백퍼센트 안식처가 아닌 셈이다. 그러므로 그는 엄마를 더 이해하는 캐릭터가 된다.

콘래드는 엄마의 부재를 감당하기엔 아직 어리다. 가족들 역시 그가 어리다는 이유만으로 엄마의 자살을 숨긴다. 결국 그는 편의점 가판대의 신문에서 진실을 알게 된다. 그리고 짝사랑 하는 여자애와 걸어오면서 삶의 여러 형태/화요일에 점심 먹자고 하지만 곧 월요일이 되면 여자아이는 그 사실을 잊어버릴 것이라는 등/ 자신의 사랑이 받아들여지지 않을 것이라는 것/을 통해 스스로 성숙한다. 진실을 마주할 수 있는 힘이야말로 성숙이라고 말하고 있는 것 같다.

엄마 이사벨은 전쟁터의 진실을 담기 위해 일한다. 참상을 알리는 방법도 폭탄이 터지고 난 후의 모습을 통해 더 진실 되게 전달된다고 말하기도 한다. 결국 사건이 일어나고 난 이후가 진짜라는 듯이 말이다. 엄마의 죽음이 일어나고 난 후에 아버지와 조나와 콘래드는 본연의 자신과 마주할 수 있듯이 말이다. 결국 엄마는 사진으로 자신과 마주했다. 그리고 먼 타국에서 바람을 피워도 본국에서는 엄마로서/ 아내로서 충실하고 싶어 했다. 그것이 실현 불가능함을 알고 난 후 어쩌면 이사벨은 자살을 했던 것일지도 모르겠다.

그럼에도 불구하고 남아있는 사람들은 극복해야 한다. 진실과 마주하고/ 폭탄이 터지고 난 후 죽지 않고 살아남은 사람들은 극복해야 한다는 것을 요아킴 감독은 말하고 있는 것 같다. 그것이 삶이라는 것. 영화의 처음과 시작은 아이의 탄생과 그 아이를 보러가는 여정이다. 그 속에서 콘래드는 아이의 모습이 늙은이의 모습이 되어 나타나는 꿈을 꾼다. 태어나고 늙는 것. 삶은 그렇게 지속되고 살아가는 것이라는 걸 말함이 아닐는지.

콘래드는 자기가 짝사랑하던 여자아이가 원초적인 모습으로 소변을 누는 장면을 보면서, 흘러내리는 오줌 줄기를 보며 눈물을 짓는다. 이는 곧 그가 신화적인 상태에서 엄마라는 이름에 가두려고 했던 이사벨을 한 명의 여자로서 보게 되었다는 뜻일거다. 그는 엄마가 자살할 수밖에 없었던 외로움을 이해한 것이다. 그래서 그는 평온하게 집으로 돌아가 일상으로 복귀할 수 있었다..

로스트 인 더스트 Hell or High Water

구름2da — Sat, 25 Apr 2020 11:21:57 +0900

동생 토비(크리스 파인)와 형 태너(벤 포스터). 마을에 있는 작은 은행 미드랜드를 턴다. 그들은 미드랜드 은행의 소규모 지점을 찾아가며 몇 차례 더 돈을 훔친다. 경찰 해밀턴이 동료와 함께 그들을 수사한다. 토비는 대대로 이어온 가난을 끊어버리겠다고 결심한 후다. 10년 동안 복역한 형과 함께 적당한 선의 돈만을 털며, 돈을 모은다. 그래서 은행의 빚을 갚고 차압당한 땅을 찾아 아이들에게 상속할 계획이다. 왜냐하면 그 차압당한 땅에서 석유가 나왔기 때문이다. 그들의 계획은 성공한다. 형 태너는 동생을 위해 일부러 크게 한탕 하고 자신을 희생양삼아 동생을 혐의에서 벗어나게 한다. 토비는 자신을 위해서는 그 돈을 한푼도 쓰지 않는다. 오로지 자식을 위해 토비는 희생한다. 해밀튼 형사는 그런 토비를 이해하기로 한다.

로스트 인 더스트에서는 미국 자본주의의 이면 혹은 추악함이 드러난다. 작은 돈을 빌려주고 땅을 빼앗는 것은 전통적인 고리대금방식이지만, 현대는 자본주의라는 이름하에 합법적으로 이용되고 있고, 그 제도로 인해 사람들은 고통 받고 있다는 것. 문제는 이런 자본주의가 고착화되면서 빈부격차가 줄어들 기미를 보이지 않는다는 것이다. 이런 문제의식 속에서 결국 눈에는 눈 이에는 이 식으로 덤벼들지 않으면 가난의 고리를 끊을 수 없고, 자식에게 나은 미래를 줄 수 없다는 위기의식을 폭력을 조장하는 사회를 비웃듯 그 폭력을 이용하는 영화라고 할 수 있다. 정적인 스타일속에서 인물들의 절망감-그러니까 나이질 기미도 없고, 꿈조차 꿀 수 없는 현실을 안고 사는 소시민-을 아주 잘 그려낸 연출에 우선 박수.

도덕적 잣대를 들이댈 수도 있을 것 같다. 왜 토비는 처벌받지 않는가? 토비의 행위는 법을 어기는 방식인데도 불구하고 말이다. 해밀튼 형사는 그가 자식을 위해서라는 말에 그의 행위를 인정해 준다. 여기서 토비의 행위는 일반적인 도덕적 잣대라는 딜레마에 빠지게 만들었다. 즉, 그의 행위는 사회가 용인하지 않는 범죄다. 반면 그는 자신의 안위를 위해 은행을 털지 않았다 알리바이를 제시한다. 해밀튼 형사가 의아해 하는 것도 왜 돈을 자신을 위해 한푼도 쓰지 않았느냐는 것이다. 결국 영화는 토비의 손을 들어주기로 한다. 원인(은행의 고리대로 표현되는 자본주의)을 봤을 때 그의 행위는 반사회적 범죄(자신의 쾌락을 위해서가 아니라는)가 아니라고 인정하기 때문일지도. 하지만 사회적 법이라는 구속적 테두리에서는 벗어났지만 토비는 평생 해밀튼에게 고해를 해야 할지도 모른다. 그것이 그의 구속인 셈이다.

태너 역시 관객들의 마음속에서 철부지 형이자 범죄자의 이미지를 씻어낸 셈이다. 그는 동생의 행복을 위해 자신을 희생하기로 마음먹었다. 마지막 큰 은행에서의 한 탕은 범죄에 밝은 그가 질질 끌게 되는 은행강도 행각이 결코 오래가지 않을 거라는 직감에서 비롯되었을 것이다. 영화는 태너의 성격에 맞게 충동적으로 결정하는 것처럼 묘사하고 있지만, 이것은 반사회적인 범죄는 결코 성공하지 못한다는 태너의 말과 일맥상통하고도 있으면서, 동생을 위해 그가 희생하기로 결심한 대목이기도 하다. 그의 죄는 그렇게 관객에게만은 용서로 받아들여진 셈이다. 그는 역할을 다하고 영화에서 물러난 셈이다

타이페이의 꽃 : 대만 뉴웨이브를 말하다 Flowers of Taipei - Taiwan New Cinema

구름2da — Fri, 24 Apr 2020 11:25:10 +0900

80년대 대만 뉴시네마에 깊은 인상과 영향을 받은 많은 감독들과 평론가들의 인터뷰를 통해 당시의 대만 뉴시네마를 조명해 보는 다큐멘터리. 재미있는 건 동양권 감독과 서구의 감독들이 대만뉴시네마를 바라보는 관점이 약간 다르다는 것이다.

올리비에 아사야스를 비롯한 서구의 감독들은 대체적으로 대만 뉴시네마가 서구영화에서 보여주지 않았던 것을 보여줘서 새로웠다고 말한다. 1989년 베니스영화제에서 비정성시가 황금사자상을 받았는데 80년대 내내 새로운 흐름이었던 대만뉴시네마를 중국어권에 대한 인정의 방식으로 주었다는 인터뷰도 인상적이다. 아시아권에서는 태국의 아핏차퐁 위라세타쿤 감독은 대만 뉴웨이브의 스타일에 주목하면서 서구 감독들과 비슷한 성향을 보인다.

반면 일본이나 중국의 감독이나 평론가들은 대만의 역사와 얽혀드는 부분에 흥미를 보인다.중국의 감독과 평론가는 본토에서 나오지 않았던 경향이라며, 왕빙 감독이나 지아 장커 감독이 말하듯 협동성에 중점을 둔다. 이것은 개인주의와 전체주의의 차이라고 말하기도 하는데, 서로 돕는 방식이 대만뉴시네마를 탄생시켰다는 것이다.

내가 개인적으로 다큐멘터리에서 인상적이었던 부분은 대만뉴시네마가 영화제를 벗어나서는 실패했다는 사실이다. 대만영화는 전문성을 가진 프로들인 영화관계자들은 입에 침이 마르도록 칭찬하지만 영화제용 영화를 벗어나지 못했다는 것은 결국 대만 뉴시네마가 종결을 고한 가장 큰 이유가 되기도 할 것이다. 대만 뉴웨이브의 주인공이라 할 허우 샤오시엔은 이제 시대가 변했고 영화는 그 시대를 말하는 거라 대만의 역사와 얽혀 들어갔던 뉴시네마는 그 시대의 이야기였다고 말한다.

팬덤을 형성하지 못하면 오래가지 못한다. 모든 예술은 팬덤이 많은 부분을 차지하고 있지 않을까? 영화제용 영화는 수익을 창출하지 못하고 그럼으로써 재투자에 어려움을 겪게 되고, 후세대에겐 그저 좋았던 시절로 기억될 뿐이다. 대만뉴웨이브의 성취가 대단하긴 했지만 영화제 바깥에서 다양한 장르를 만들어내지 못한 대만영화는 이제 역사의 뒤안길로 사라지고, 이후 대만 영화산업이 새로운 영화물결을 형성할 대중적 장르를 만들지 못하고 꽃이 지기 시작했다는 안타까운 부분이다.

살인의 낙인 殺しの烙印, Branded To Kill

구름2da — Thu, 23 Apr 2020 00:33:01 +0900

스타일이 전부인 영화이자 실험적인 영화이면서 누벨바그 시절 고다르의 영향 아래 있는 영화인 듯하면서 60년대 모더니즘의 영화. 스즈키 세이준이 감독한 이 영화. 살인의 낙인에서 내용을 이해하려고 하거나 거창한 주제를 찾으려고 하면 낭패다.

소개합니다. 킬러 이름은 하나다. 볼 살 토실토실한 귀여운 시시도 조의 연기. 그의 아내는 색정광. 조직으로부터 이런저런 사건을 의뢰받아 끝내주게 성공. 미사코로부터 의뢰받은 살인. 그 살인 의뢰는 다이아몬드를 빼돌린 사람을 차례로 죽이고 그걸 조사하러 온 외국인을 죽이는 것. 하지만 실패. 이때부터 조직으로부터 살해위협을 받음. 이어지는 아내의 배신, 미사코의 실종. 넘버 2,4,5를 모두 죽이고, 3은 어디에? 넘버3는 바로 자기 자신. 이제 넘버1의 집요한 살해위협에 시달린다. 넘버1의 살해 수법은 피말려 죽이기. 그러다 하나다는 피가 다 마르기전에 스스로 넘버1이 되기로 결심. 결국 모두 죽는다. 사랑하는 미사코까지 실수로 죽이면서.

도시를 배경으로 하거나 해변 혹은 어촌을 배경으로 해도 흑백 촬영과 구도가 멋지다. 여기에는 미술이 한 몫을 하는데, 공간의 활용이나 소도구 및 조명설계 등 미장센의 예술성이 돋보인다. 탐미적이라 표현해도 무리가 없을 정도. 인물의 개성도 뚜렷하다. 쌀밥 짓는 냄새에 미쳐있거나 피를 말려 죽이는 킬러등 주요 인물 하나하나가 개성이 넘치는 와중에 연기마저 과장되게 하고 있어 더욱 탐미성이 극대화된다.

하지만 스토리는 설명적이거나 친절하지 않다. 실험적인 화면만 보고 있어서는 지루함도 느끼게 된다. 감독의 예술성에 넋을 놓느냐 아니면 감독이 전혀 의도하지 않았던 스토리가 없다고 투덜거리느냐 둘 중의 하나지만. 이 영화 이후 스즈키 세이준이 영화사 니카츠에서 쫓겨날 만 하다. 관객에 대한 배려는 없지만 영화에 자신의 미학을 새기고야 말겠다는 욕심은 넘친다. 그런데 이런 불협화음같은 것들이 재미없음을 상쇄하고도 남는 묘한 매력이 있다.

네루다 Neruda

구름2da — Wed, 22 Apr 2020 01:01:33 +0900

칠레의 민중 시인 네루다와 그를 쫒는 형사 오스카의 이야기. 영화를 보고 있자면 희한하게도 네루다보다는 공안 형사 오스카에게 동화되기 시작한다. 민중을 외치는 코뮤니스트지만 네루다는 19세기적 귀족주의의 향기가 남아있어 뭔가 괴리감이 느껴지기 때문인지도 모르겠다. 어디선가 댓글을 보니 네루다를 강남좌파라고 표현하기도 했던데, 왠지 어울린다.

대부분의 사람들은 네루다와 같은 삶이 아니라 오스카 같은 삶을 살고 있고 감독인 파블로 라라인 역시 영화 타이틀은 네루다를 내세우지만, 결국 질 수밖에 없는 일개 시민인 오스카의 삶에 더 다가가고자 했던 것은 아닐었을런지. 어떻게 보면 오스카의 삶은 한낱 모래 한 알의 티가 되어 사라질 삶이다. 자신이 아무리 주연이라 우겨도 결국엔 조연이다. 하지만 오스카와 같은 운명의 사람들은 믿지 않는다. 언젠가는 평등해진다고 사회주의 운동을 한다. 하지만 문제는 그 평등이라는 것이 그들이 그토록 경멸해마지 않던 귀족의 삶으로 자신의 삶을 비약시키는 것이라고 믿는다는 것이다. 또 다른 형태의 귀족이 되어 지배하는 위치가 되고자 한다는 것. 감독은 그렇게 평등이라는 것이 사회과학서적에 박제되어 현실로 튀어나오지 못하는 모순을 집어낸다. 그래서 어떤 여자가 네루다에게 평등해지는 것이냐고 질문할 때 네루다가 그렇다는 대답을 쉽게 하지 못하고 오직 여자의 희망을 저버릴 수 없어 거짓으로 그렇다고 말할 때 이 영화는 그 모든 걸 말하고 있는 셈이다.

네루다는 자신의 모순을 잘 알고 있는 사람으로 그려진다. 그는 여전히 귀족의 삶을 포기하지 않고 살 것이며 그에게서 나온 휘황찬란한 말솜씨와 글발은 그를 민중의 기사로 만들어 줄 것이며, 사람들은 그 속삭임에 도취될 것이다. 한명의 영웅을 위해 모든 사람들은 조연이 되어야 하는 것이 삶이다. 영화는 그것을 놓치지 않는다. 많은 평범한 사람들이 그를 살리기 위해 감옥에 가고 희생을 하고 그를 숨겨주며 위험을 감수했지만, 결국 그는 파리에서 창녀들의 치마폭에서 쾌락을 즐기며 살고 있지 않는가 말이다. 그런 것이다. 그러니 겉으로 보이는 삶과 이미지에 지나치게 경도되지 말아야 하는 것일지도.

클로즈업 Nema-ye Nazdik

구름2da — Tue, 21 Apr 2020 13:24:16 +0900

재능이 없거나 가난하거나 기회를 잡지 못해서 자신의 꿈에 접근조차 해보지 못했던 사브지안이 우연히 이란의 대표적 감독인 모흐센 마흐발마프 감독으로 오인받고 일어나는 일을 압바스 키아로스타미 감독이 다큐와 픽션을 섞어 만들었다.

주인공인 사브지안의 대사 중 감독이 되었을 때 존중받는 느낌이 들었다는 장면이 있다. 하층민이었던 그가 평소엔 무시당하다가 마흐발마프로 오인된 이후의 그의 말은 ‘같은 말이지만’ 존중의 대상이 된다는 것을 알았을 때 이 사회가 여전히 계급사회임을 알게 해준다.

키아로스타미 감독은 영화가 허구의 세계이긴 하지만 현실은 허구보다 더 허구 같은 곳이라고 말하고 싶었던 걸지도. 영화를 보고 있자면 사브지안이 처한 현실을 공감하고 있는 자신을 발견하게 된다. 기회조차 잡을 수 없었던 평범한 하층민. 그는 이런 사기 행각 이후에야비로소 그의 꿈이었던 영화에 출연한다. 키아로스타미 감독은 이런 소재를 놓치지 않고 활용한다. 영화는 예술이라고 말하고 영화속에서 관객의 감정을 확장시켜야 한다고 말한다. 그런 점에서 마지막 시퀀스에서 사기로 들통난 사브지안은 거절당하고 마흐발마프 감독이 직접 이야기하자 열리는 대문처럼 현실의 냉혹함은 더 뼈저리게 느껴진다.

키아로스타미 감독은 결국 예술과 영화를 사랑하지만 그저 관객으로서 만족하며 영화 속 허구의 세계에서 위안 받는 사람의 꿈이 실현될 수 없는 현실을 말하고 있는 것일지도. 픽션과 허구를 섞는 스타일은 이미 익숙하지만, 내용은 충분히 공감할 만 하다.

카붐 Kaboom

구름2da — Fri, 17 Apr 2020 11:33:27 +0900

지구를 아예 폭발시켜 없애버리는 결말은 이미 장준환의 <지구를 지켜라>에서 강렬하게 다가왔던 덕분에 그렉 아라키의 <카붐>에서의 지구 폭발은 그 충격이 좀 덜한 편이긴 하지만 사이비 종교와 연관 지은 지구멸망이라는 스토리는 저예산영화의 소재로서는 괜찮은 듯.

교주의 선택된 아들이라는 컨셉이지만 솔직히 이 선택된 아들이 하는 일이라곤 섹스외엔 아무것도 없다. 주위의 인물들이 모두 그 교주의 아들을 둘러싼 인물들이라는 것이 마지막에 드러나는데, 히어로 영화가 아닌 이상 그에게 지구와 인류를 구할 임무는 없는 셈이다. 그렉 아라키의 입장에서도 편견에 사로잡혀 있는 지구와 인류는 없어도 무방해 보이는 듯.

논리적으로는 말이 안 되는 초능력자들이나 이성애 대신 동성애와 양성애가 오히려 정상적인 형태라고 말하는 듯한 자유분방함. 이전의 그렉 아라키 작품들에 비해 퍽큐의 정신은 덜한 편인데, 마지막에 지구를 날려버린 건 <지구를 지켜라> 덕분에 신선함은 없지만 꽤 시원한 결말.

배우 김영란의 70년대 히트작 <아스팔트위의 여자>

구름2da — Wed, 15 Apr 2020 23:20:06 +0900

70년대는 <진짜 진짜> 시리즈를. 80년대는 <사랑만들기> 같은 청춘영화로 이름을 알린 문여송 감독. 그 외에도 다양한 멜로영화를 만들었다. 간혹 흥행에는 성공했을 지언정 완성도 있는 대표작을 한 손에 꼽기는 힘든 감독이기도 하다. <아스팔트위의 여자>는 1978년에 발표한 영화로 서울관객 12만여명을 동원하여 흥행에 크게 성공한 작품이다. 하지만 흥행과는 별도로 나에겐 이 영화 역시 문여송 감독의 그렇고 그런 작품 중의 하나로 생각될 뿐 큰 매력은 느끼지 못했다. 여전히 <진짜 진짜 잊지마> <진짜 진짜 미안해>, <진짜 진짜 좋아해>가 그의 영화 중 그나마 가장 마음에 든다.

<아스팔트위의 여자>는 당시 유행했던 여성 잔혹사계열의 영화라고 할 만 하다. 못 배우고 가진 것 없는 여자를 당시의 사회가 어떻게 소비하고 버렸는가에 대해 이 영화를 보면서 조금은 짐작할 수 있다. 하지만 주제의 심각성에 비해 감독의 역량이 미치지 못해 그저 선정적인 영화 한편이 되고 만다.

가수를 만들어준다는 약장수 천의 말을 믿고 무작정 상경한 시골 처녀 남순. 하지만 천과의 고된 생활에 염증을 느낀 남순은 도망치는 도중에 의사인 신을 만나 하룻밤을 보낸다. 신의 아이를 임신한 남순은 출산을 반대하는 신을 떠나기로 한다. 하지만 곧 신의 집에 가정부로 취직하게 되고, 잠시 미국으로 떠난 부인을 대신해 부인행세를 하지만 천의 구타로 아이를 유산한 뒤 미쳐버리고 만다.

끝없이 이어지는 회상구조가 식상하긴 하지만 스토리를 전달하려니 어쩔 수 없다 해도 남순이신에게 집착하는 모습은 설득력이 부족하지 않나 싶다. 남순에게 동일화가 되어야 이러한 여성의 비극이 사회구조의 모순으로 연결 될 텐데, 당시 시대의 한계도 있었겠지만 결국 여성이 미치는 것 외에 아무 해결책도 제시하지 못한 채 끝나고 만다.

사실 이 영화는 남순의 캐릭터가 김기영 감독의 <하녀>에서 이은심이 연기한 하녀를 흉내내기 시작하면서 본격적으로 김이 빠지기 시작하는데, 고루한 장면과 흉내내기를 통해 문여송 감독이 전달하려고 했던 건 뭔가 싶다. 철학이 부재한 모방은 결국 빈껍데기라는 걸 확인한 셈이다. 결국 돈 많은 남자는 여자를 버리고 돈 없는 남자는 여자를 돌보게 되지만, 가진 것 없이 태어난 죄와 사랑을 구걸할 수밖에 없는 여인에게는 아이도 과분한 것인가? 시대적 한계를 여실히 드러낸 그렇고 그런 또 한편의 영화.

개봉 : 1978년 4월 8일 국제극장

감독 : 문여송

출연 : 김영란, 신성일, 백일섭

내가 버린 남자

구름2da — Tue, 14 Apr 2020 02:21:06 +0900

1979년 한국영화 흥행 1위. 이 영화의 무엇이 관객의 마음을 그토록 사로잡았을까? 영화를 다 본 후의 나의 느낌은 김수현이 쓴 각본의 힘은 있어 그럭저럭 이야기가 흘러간다는 것 정도였다. 하지만 당시 비슷한 소재의 영화가 많다 보니 차별점을 찾지 못해 식상하다는 느낌도 지울 수 없는 건 사실. 1978년에 흥행한 내가 버린 여자의 속편 느낌도 강하다.

친구들과 돈 많은 남자를 유혹하는 꽃뱀인 명숙이 사고로 기억상실에 걸리고, 그녀를 구해준 돈 많은 홀아비 민하를 만나 사랑하게 되지만, 그녀의 과거로 인해 위기가 닥친다...

정소영 감독의 <내가 버린 남자>는 아무것도 말하지 않는 영화의 유형에 속한다고 할 수 있다. 이 영화는 그저 우연히 만난 두 남녀의 러브스토리를 말하는데, 그저 착한 남자와 발랑 까져 보이지만 실은 속이 착한 여자의 이야기이며, 사랑의 낭만성을 강조하지만 더 이상은 아무것도 없고. 난관을 극복하는 절대사랑을 보여주고 싶었다면 할 말은 없지만 그대도 뭔가 속 빈 강정같은 느낌은 꽤 오래간다.

이런 유형의 영화가 흥행 1위를 했다는 것은 당시의 관객들이 한국영화에서 얻을 수 있는 재미를 이 정도 선에서 만족했다는 것이라고 볼수도 있다면, 그들의 러브스토리가 꽤 설득력이 있었던 모양이다. 유지인과 윤일봉이라는 당대 빅스타의 관객 동원력도 있었을 것 같고. 다만 정소영 감독의 연출은 살짝 아쉬운 편. 하지만 나는 김수현의 시나리오가 가진 TV드라마 같은 스타일이 이 영화에 관객의 발길을 모았을 것 같다. 그러니까 이 영화의 성공의 절반은 김수현의 몫이라는 생각이 든다.

내가 버린 여자 리뷰 읽어보기 클릭

개봉 : 1979년 5월 3일 명보극장

감독 : 정소영

출연 : 유지인, 윤일봉, 김만

파이어 윌 컴 O Que Arde

구름2da — Mon, 13 Apr 2020 03:11:14 +0900

작가주의를 지향하는 감독의 정체성에 대해서는 뭐라고 할 수 없지만. 관객의 입장에서 올리버 라세 감독의 스타일을 마냥 지지할 수는 없을 것 같다. 일단 너무 재미가 없다. 감독의 의도가 관객이 느린 호흡으로 현실을 있는 그대로 보기를 바란다고 할 수도 있겠다. 카메라로 왜곡되지 않은 세상 그대로 말이다. 이렇게나 내성적인 주인공을 설정하고, 어머니 역시 마찬가지로 느리며, 몇 명 되지 않는 주위의 인물들 역시 매한가지라면. 좀비도 달리기를 하는 세상에 오히려 초기의 좀비처럼 느리게 걷는 것이 정말 현실인가 싶은 건가 싶고, 정말 그래야만 자본주의의 무한 경쟁이라는 속도를 비판할 수 있는 걸까? 싶기도 하고.

올리버 라세 감독은 세상이 할리우드 영화 속 다이나믹한 인물이 아니라 자신의 영화 속 인물들처럼 살고 있다며 리얼리즘을 들고 나온 것일수도 있겠지만. 어쨌거나 감독이 자신의 세계관을 유지하기를 원한다면 관객도 영화에서 얻고자 하는 목적이 분명할 터이므로 영화의 예술성을 떠나 지루해 죽겠다는 불만은 감독 스스로도 감내해야 할 듯.

게다가 영화가 미시적으로 파고 들어가는 것처럼 보이지만, 그렇다고 인물의 내면을 집요하게 파고들지도 않는다. 그냥 있는 그대로의 현상을 보여주는 것에 정진한다. 자연이라는 절대성. 그 속에 있는 인간은 한낱 점같은 존재 정도? 아무리 인간이 자연을 바꾸려고 해도 자연의 힘 앞에서는 한낱 무용지물? 그렇게 느리고 느리게 영화는 결국 인간끼리 해결하지도 못할 오해만 가득 만든 채 지지고 볶는다는 것? 정말 이런 이야기를 하기 위해 이렇게 느린 인물들과 아무것도 일어나지 않는 사건을 90분 동안 참아야 한단 말일까?

이제 점점 더 이렇게 느린 호흡의 영화는 견디기가 힘들어진다. 2019년 말 한국영상자료원 극장에서 올리버 라세 감독의 영화를 보며 불만을 생각하고 있을 때 내 옆에 앉아있던 20대의 청년은 눈에 힘을 주며 어떻게든 칸느영화제에서 주목받고 온갖 국제 영화제를 돌고 있는 이 영화를 보기 위해 애쓰는 것 같았다. 나도 그땐 그랬다. 하지만 이젠 지루한 건 지루한 거다.

내 이름은 꾸제트 Ma vie de courgette

구름2da — Sat, 11 Apr 2020 13:16:40 +0900

어린 꾸제트의 짧은 여정을 그린 애니메이션. 알코올 중독인 엄마가 사고로 죽자 고아원으로 오게 된 꾸제트. 하지만 엄마의 사랑은 잘 모른다. 그래서 사랑이라는 감정이 어색한 꾸제트. 고아원에는 여러 사정으로 오게 된 또래들이 있다. 그들은 서로 위로하고 장난치고 짓궂게 굴면서 서로의 사정을 알게 된다. 그들은 마음이 힘든 아이들이었던 것. 그렇게 다시 서로 이해하며 위로해주면서 사랑이라는 감정을 자기도 모르는 새 스며들듯 습득한다.

어쨌거나 아이들이 가장 먼저 배워야 할 것은 나 자신을 사랑하면서 타인을 배려하고 이해하고 위할 줄 아는 것임을. 그렇다고 이런 태도들이 마냥 가르친다고 되는 것도 아니고 서로 어울리고 부때끼는 와중에 스며들듯 습득하는 것을 참 자연스럽게 보여주는 영화다. 더불어 어른(고아원 원장을 비롯 경찰관)들이 배려하는 모습을 보여줄 때 아이들은 자연스럽게 사랑을 바탕으로 한 배려를 배우게 된다고 말하기도.

담당 경찰관의 캐릭터가 좋았는데, 나중에 꾸제트와 까미유의 양부가 된다. 원장을 비롯 선생님과 경찰관을 통해 어른의 역할에 대해서도 생각해 보게 되는데, 아이고 어른이고 볼 만한 영화인 듯.

마동석과 김아중의 매력 영화 <나쁜 녀석들: 더 무비>

구름2da — Fri, 10 Apr 2020 02:49:18 +0900

드라마 버전을 보지 않았기 때문에 원작과 비교하지도 못하니 그 자체로 하나의 새로운 작품으로 느낀 <나쁜 녀석들 극장판>을 재미있게 보았다. 이 영화는 주인공 네 명, 각각의 캐릭터가 얼마나 개성과 매력이 차고 넘치는가가 관건인 영화다. 반면 그만큼 사건의 임팩트는 약해 보인다. 갈등의 골도 없고. 모든 사건은 마음먹은 대로 슬슬 풀리며 진행.

마동석은 자신의 트레이드마크라 할 이미지를 잘 활용하고, 김아중은 기존에 보지 못했던 새로운 모습을 봄. 젊은 형사를 연기한 장기용도 나름 선방. 김상중의 캐릭터는 좀 평범해 보이기도 했지만 개성 강한 인물들 사이에서 중재역할은 한다.

일당백의 싸움이 지나치다 싶을 정도로 활용되어 때론 헛웃음도 유발하고, 모든 사건이 마치 짜고 치는 고스톱마냥 술술 풀려버리기도 하지만, 재미있다고 느끼는 건 역시나 주인공을 비롯 조연들까지 가지고 있는 개성과 단점이라 말했던 단순무식하게 활용된 갈등과 격투장면들이라는 것도 아이러니하지만 사실이기도 하고.

폭스 트롯 Foxtrot

구름2da — Thu, 9 Apr 2020 02:42:29 +0900

낙타는 검문소의 차단기가 내려와 있어도 전혀 구애받지 않고 이쪽과 저쪽을 자유롭게 돌아다닐 수 있다. 낙타에게는 자유가 있다. 그런데 이스라엘과 팔레스타인 그리고 중동이라는 지리학적 구도 속에서 국가가 강요하는 폭력을 견디고 있는 사람들에게는 자유가 없다.

성인잡지의 요란한 누드사진 속 여자의 가슴을 X표시로 가려보려 해도 유두는 튀어나오는 것처럼, 두 눈을 가린다고 해서 진실을 덮을 수는 없다. 눈물은 흐르기 위해 존재하는 것. 결국 국가가 강요한 폭력의 흔적을 땅에 묻는다고 진실마저 같이 묻힐 순 없고, 아들을 그 국가가 강요하는 폭력에서 구출해 낼 수도 없는 것이 폭력의 구조를 만들어내고야 만 인간이 처한 딜레마다.

사무엘 마오즈 감독이 이스라엘의 이야기를 하고 있지만 자연스럽게 한국의 과거도 떠올리게 한다. 폭력의 이데올로기가 이름만 바꿔가며 시대와 장소에 등장하곤 한다. 그러니까 좋은 의미로 출발한 이즘이 파시즘으로 진화하는 건 우리나라에서도 일어나고 있으니까 말이다. 꽤 묵직한 영화로 기회 되면 한 번 볼만하다.

안나 Anna

구름2da — Wed, 8 Apr 2020 02:17:53 +0900

뤽 베송이 여러모로 자신의 커리어를 일으키기 위해 애쓰고 있구나 느끼게 만든 작품이다. 기존에 익히 보아왔던 스파이 영화의 클리쉐를 그대로 따라가는 익숙한 느낌은 자칫 낡아보인다는 인상을 줄 수 있는데, 이 단점을 짧고 복잡한 편집으로 메꾸고 있는 모양새다. 이는 또 다른 여성 스파이가 주인공이었던 <아토믹 블론드>의 스타일이 연상되는데, <안나>나 <아토믹 블론드>는 이런 빠른 컷으로 관객을 몰입하게 만들려고 하는 것은 일맥상통하는 느낌이다. 뮤직비디오에 어울릴 법한 빠른 컷을 싫어하지 않기 때문에 나는 이런 스타일이 나쁘지 않았다. 반면 시간의 순서를 뒤섞은 편집이 빠른 컷과 맞물리니 너무 복잡하게 스토리를 꼬아놓은 듯 착각을 주는 것은 서사의 긴장감 보다는 복잡함을 가중시켜 관객을 조금은 불편하게 만들지 않나 싶기도 하고...

뤽 베송감독은 1990년대 초반 여성의 이야기인 니키타로 얻은 명성을 여성의 연대라는 이름으로 다시 한번 더 재현하고자 했다. 신인 사샤 루스가 연기한 안나와 베테랑 헬렌 미렌이 연기한 올가의 케미는 강렬하게 다가오진 않지만 이 영화가 두 여성의 이야기라는 점을 명확히 하는데 부족함은 없다. 조직을 원하는 여성과 자유를 원하는 여성이라는 캐릭터. 괜찮더라. 조직을 장악해보고 싶은 열망이 남성만의 전유물은 아니니까 말이다. 그리고 이런 권력욕과 자유를 추구하는 여성 캐릭터는 작금의 추세에도 적당히 어울리는 듯하고.

그럼에도 이제는 뤽 베송이 훌륭한 감독이구나 하는 느낌은 들지 않는다. 80년대 서브웨이, 그랑블루, 니키타 등을 보면서 느꼈던 누벨이마주라는 이름으로 불렸던 매력은 사라지고 더 이상 느끼기도 힘들다. 하지만 신선함이 사라진 자리에는 오랜 경력의 기술자가 남아있다. 그래서 그의 후기 영화를 다 본 것은 아니지만 보통은 기본적 완성도와 재미는 느낀다.